En la Ciudad del Viento

A UN MUCHACHO ANDALUZ

2010-05-14T12:13:00.003+02:00

Te hubiera dado el mundo,
muchacho que surgiste
al caer de la luz por tu Conquero,
tras la colina ocre,
entre pinos antiguos de perenne alegría.

¿Eras emanación del mar cercano?
Eras el mar aun más
que las aguas henchidas con su aliento,
encauzadas en río sobre tu tierra abierta,
bajo el inmenso cielo con nubes que se orlaban de
rotos resplandores.

Eras el mar aún más
tras de las pobres telas que ocultaban tu cuerpo;
eras forma primera,
eras fuerza inconsciente de su propia hermosura.

Y tus labios, de bisel tan terso,
eran la vida misma,
como una ardiente flor
nutrida con la savia
de aquella piel oscura
que infiltraba nocturno escalofrío.

Si el amor fuera un ala.

La incierta hora con nubes desgarradas,
el río oscuro y ciego bajo la extraña brisa,
la rojiza colina con sus pinos cargados de secretos,
te enviaban a mí, a mi afán ya caído,
como verdad tangible.

Expresión armoniosa de aquel mismo paraje,
entre los ateridos fantasmas que habitaban nuestro mundo,
Eras tú una verdad,
sola verdad que busco,
más que verdad de amor, verdad de vida;
y olvidando que sombra y pena acechan de continuo
esa cúspide virgen de la luz y la dicha,
quise por un momento fijar tu curso ineluctable.

Creí en ti, muchachillo.

Cuando el mar evidente,
con el irrefutable sol de mediodía,
suspendía mi cuerpo
en esa abdicación del hombre ante su dios,
un resto de memoria
levantaba tu imagen como recuerdo único.

Y entonces,
con sus luces el violento Atlántico,
tantas dunas profusas, tu Conquero nativo,
estaban en mí mismo dichos en tu figura,
divina ya para mi afán con ellos,
porque nunca he querido dioses crucificados,
tristes dioses que insultan
esa tierra ardorosa que te hizo y deshace.

LUIS CERNUDA: "INVOCACIONES" (1934-1935)

SALOME. Drama en un acto de Oscar Wilde (1892)

2010-04-18T11:26:00.002+02:00

¡Ah! ¿Por qué no me miraste, Iokanaán?

Si me hubieras mirado, me habrías amado.

Sé que me habrías amado.

El misterio del amor es mayor

que el misterio de la muerte.

Sólo debemos mirar el amor.

(…)

¡Ah! He besado tu boca, Iokanaán,

he besado tu boca. Tus labios tenían

un sabor amargo . ¿Era el sabor de la sangre?

Tal vez era el sabor del amor.

Dicen que el sabor del amor es amargo.

Pero... ¿qué importa?

He besado tu boca, Iokanaán, he besado tu boca.

POEMA Y FOTOGRAFÍA

2010-03-02T23:15:00.008+01:00

“En mí sueño miraba una Z. Con la mano sobre la forma la sentí fría y metálica y palpándola ya ansiosamente un extraño peso me incitó a invertirla. Al instante se abrió ante mí una puerta y en la introspección solo ví oscuridad. Pero de repente fuí capaz de contemplarme a mi mismo proyectado en el otro espacio y con el corazón inquieto descubrí que de la mirada del niño solo había quedado una mueca en negativo. Derrotado me refugié en el recuerdo y sobre la forma levemente distorsionada se superpuso un objeto que creía perdido en el cajón de los juegos infantiles. Y me fascinó encontrarme con el corazón en paz contemplando”.E.F.L

Nota: La imagen es de Jorge Fuembuena Loscertales

POEMA

2010-03-02T10:27:00.002+01:00

“Siempre has de estar embriagado. Lo demás carece de importancia. Esto es lo único importante. Si no deseas sentir el horrible peso del tiempo contra tus hombros aplastándote contra la tierra no dejes de estar ebrio. ¿Qué beber? Vino, poesía, virtud… según lo desees pero embriágate. Y si alguna vez despiertas en las escaleras de un palacio, en la verde ladera de un camino o en la angustiosa soledad de tú habitación y te sientes abandonado por la embriaguez pregunta al viento, a las olas, a las estrellas, a los pájaros al reloj, a cualquier cosa que levante el vuelo suspire, se mezcle, cante o hable, pregunta que hora es. Y viento, estrella, pájaros o reloj te contestará: ¡Es hora de embriagarse! ¡Embriágate si no quieres ser un mártir esclavizado por el tiempo! ¡No dejes de estar ebrio! A tú placer de vino, de poesía o de virtud”.

Charles Baudelaire: Poems en prose.

"PESADILLA EN ELM STREET 2 . LA VENGANZA DE FREDDY” (1985). ASPECTOS HOMOERÓTICOS EN UNA PELÍCULA DE TERROR PARA ADOLESCENTES YANKEES. (y II)

2009-05-20T20:55:00.012+02:00

Desde la primera secuencia en la casa ya hemos advertido el uso de insertos, algunos hasta soeces, pero que funcionan como perfectos indicadores, (el tomate ROJO, los huevos en la sartén, los discos, las miradas fuera de campo).

Enseguida, tras la puerta roja de la casa, aparece Lisa, la que pasa por ser la novia de Jesse y juntos se acercan al coche azul de Jesse.

Más importante es la “intervención cromática” que Sholder elige para transmitir la psicología, (cambiante) de los personajes y de sus intenciones, (conscientes o no). Así, la casa de Elm Street está decorada en tonos verdosos y neutros poco saturados, como lavados pero... ¡Oh invención! la puerta de acceso está pintada de un rojo profundo, como puerta al horror o a los deseos sexuales no consumados.

Enunciamos que la puesta en escena se marca sobre todo en el vestuario de los personajes y privilegia un uso extenuante del color rojo y su simbología, enfrentado a los azules. Queda claro que el rojo se usará para sugerir los deseos homosexuales y los azules para señalar la “normalidad” de lo straight. Así a Jesse se le mostrará normalmente con ropas en tonos azules y solo de rojo en los sueños y cuando su deseo se enciende y hace evidente, (por ejemplo, cuando durante el sueño en clase una serpiente pitón se le enrosca). A Grady se le mostrará siempre de rojo, como objeto de deseo de Jesse. En realidad con cada personaje, hasta con el simple figurante, se puede aplicar esta simbología del color y no exagero un ápice.

Otro aspecto destacable es el sadismo, que se da no solo en Freddy/Jesse, sino también en el padre y en el entrenador Schnaider, que castiga a Jesse y a Grady a una interminable tanda de flexiones, durante la que Grady espeta entre bromas que han sido castigados porque Jesse es “del tipo” de Schneider. Después de que se les levante el castigo y mientras comparten una ducha, Grady no ahorra a Jesse ninguna pregunta en relación a sus “circunstancias”. En cambio, en otra de las sucesivas escenas de duchas que comparten, Grady le preguntará a Jesse si recuerda lo que sueña a lo que este llegará a contestar con ojos candorosos: “Solo los húmedos”.

Enseguida se vuelve a hacer noche en la casa de Elm Street. La temperatura es infernal y los objetos se derriten y funden, (de nuevo Dalí). Vuelve a aparecer Freddy Krueger que tras jugar con Jesse en sus lugares comunes de la casa, (el sótano, a pié de la escalera), le hace el ofrecimiento del “pacto”: “tú tienes el cuerpo y yo el cerebro”. Jesse encontrará el guante de cuchillos envuelto en un trapo azul: testimonio de que con este puede "cortar" sus deseos homoeróticos.

En este sentido, todavía es más interesante la siguiente secuencia nocturna en la que Jesse pasa del sueño a un estado de realidad no concretada por medio de las sensaciones térmicas, que han agobiado ya desde la primera secuencia a toda la familia Walsh. El calor infernal se convierte de repente en un frío helador, cuando Jesse baja las escaleras de la casa de Elm Street, (todavía viste de azul). En la siguiente escena lo vemos de nuevo con camisa abierta (roja) buscando el calor en un bar de ambiente, (que parece sacado de “El ansia”), el mismo en el que Grady rumoreaba haber visto entrar al entrenador Schnaider. Es precisamente este, vestido de leather en medio del sofocante rojo, el que le agarra del brazo a Jesse. Desde allí, sin continuidad, Jesse llega a la cancha del instituto por un recodo teñido de luz roja de esta. El entrenador le ordena que tome una ducha mientras en la habitación contigua prepara un quit de látigos y otros juguetes eróticos para el esperado acto sexual. El personaje abiertamente homosexual pagará bien cara sus intentona, ya que el guante de Freddy aparece entre vapores y lo desgarra, el mismo guante que aparece a continuación en la mano de Jesse… Al final de la secuencia Jesse, desnudo, es llevado a casa por dos policías, (interesante la sensualidad de ébano y el silencio perturbador de uno de ellos, con un sospechoso profiláctico plástica a modo de protección sobre la gorra del uniforme, (ahora llueve).

Especialmente articulada se presenta en el sentido cromático la larga secuencia de la barbacoa: El espacio está saturado de azul en todo, las sillas, los platos, la gran mancha acuosa de la piscina… En la barbacoa, un muchacho con un gran gorro rojo. Jesse aparece vestido de azul. Lisa, su novia que le ha ayudado a desentrañar la historia de Freddy Kruger que obsesiona a Jesse, se lo lleva al vestuario de la piscina y todo parece indicar que se va a producir el acto sexual, pero… ¡Oh sorpresa! Cuando Jesse está sobre Linda, que lo estrecha fuerte, (violenta), una canción de Pet shop boys, (definitivamente gay), comienza a sonar dietéticamente, cada vez más sonoramente y Jesse comienza a transformarse en Freddy. De su boca sale una larguísima lengua del color del glande, a lo que Jesse reacciona, lógicamente, horrorizado. Jesse es incapaz de proseguir y huye para refugiarse,-vaya- en el dormitorio de Grady que, -casualmente- no ha asistido a la fiesta. Tras lanzar un torrente de dudas y temores inconexos, que Grady no entiende sino como una forma de echarle los tejos, este accede finalmente al ruego de Jesse: “sólo vigílame mientras duermo”. Para más inri, Jesse duerme sobre un sofá azul mientras que Grady no ha salido ni un instante de sus sábanas rojas. El deseo no ha sido consumado y hay que matarlo. Así que Freddy rompe literalmente a Jesse, como Cronenberg visualizaría años después en "Almuerzo desnudo", para salir de él y rasgar con su guante el bello torso de Grady. En un abrir y cerrar de ojos, ante el cadáver de Grady queda solamente Jesse… y su guante de cuchillos. Como no podía faltar en este tipo de cine, Sholder juega con el recurso de los reflejos dobles en espejos y Freddy se asoma desde el otro lado, (¿O es Jesse quien se refleja en Freddy?). El joven huye ahora alarmado a la fiesta adolescente y en presencia de Lisa, al sentirse de nuevo acosado por la curiosidad de ella, vuelve a transformase en Freddy. Pero la chica sabe rehuirlo y enfrentarlo o el monstruo no termina nunca de poder herirla. Así que Freddy/Jesse va a saciar sus ansias de venganza a la piscina, donde el agua ya hierve. Se sucede la climática matanza. Un muchacho, que viste completamente de azul eléctrico, se le aproxima y trata de calmarlo, pero como castigo no es cortado sino arrojado al rojo fuego… Lisa regresa y el miedo vuelve a aparecer en los ojos de Freddy, en los que ella reconoce los de Jesse. Jesse/Freddy escapa.

Estamos cerca del desenlace que tendrá como escenario la fábrica, como organismo vital de Freddy Krueger, ya que entre sus muros coloreados ahora de rojo y azul cometía sus crímenes. Lisa acude en busca de Jesse cuando las hormigas salen de sus miembros, justo donde Freddy/Jesse había mordido durante el ataque. Ella las barre con la mano, (otra vez Buñuel y su idea del deseo no consumado) y no se da por vencida, toma la iniciativa, se implica y resuelve el conflicto con un beso a Freddy que lleva al monstruo a autodestruirse inmolándose en el rojo fuego. De la carne carbonizada resurge de nuevo Jesse preparado para la vuelta a la “normalidad” y dispuesto a ser alienado. El azul aniquila definitivamente al rojo en el cuadro cuando Jesse abraza a Lisa.

Estos son solo algunos aspectos, los más formales, (pero jugosos), para una lectura homoerótica de la película. Queda por preguntarse si definitivamente son todos estos conscientemente buscados. La respuesta podría estar en el casting de Mark Patton, que años después cuenta como los productores de la película se dirigieron a él para audicionar, siendo abiertamente gay, y como una vez en el set, todos los miembros del equipo conocían su condición homosexual. En cuento a Sholder, muchos elementos temáticos de "Freddy revenge", tendrán continuidad en "The Hidden" su sucesiva película, con un tratamiento mucho más refinado dentro de un tema equivalente, viniendo a demostrar una vez más las tendencias homoeróticas dentro del cine de terror.

"PESADILLA EN ELM STREET 2 . LA VENGANZA DE FREDDY” (1985). ASPECTOS HOMOERÓTICOS EN UNA PELÍCULA DE TERROR PARA ADOLESCENTES YANKEES. (I)

2009-05-20T20:42:00.011+02:00

Tenía recuerdos demasiado vagos de “Pesadilla en Elm Street 2. la venganza de Freddy” por la mala calidad del VHS que alquilé y por que con trece años me dejé llevar más por la primera parte de la serie, la película original entendida como una obra cerrada en sí misma y, sobre todo, por la cuarta parte, en la que Freddy tiene una presencia casi continua.

La segunda película de Pesadilla en Elm Street, representa un islote aislado dentro de la serie, ya que Wes Craven “fundará” la franquicia solo a partir de la tercera entrega, obviando esta secuela y sin que ninguna parte relevante de la misma tenga presencia en las sucesivas cinco películas. En realidad, poco tiene “Freddy revenge” del mundo fantasioso y “onírico dado la vuelta” bien entendido por Wes Craven, si no son dos o tres elementos que rescatan la imaginería de la casa de Elm Street y resultará una enésima revisitación del mito de Fausto, después de Jekyll y Hyde, Dracula o Dorian Gray, a pesar de algunos elementes extraídos de hits del Terror como "Amityville", "El exorcista" y hasta de "Los pájaros", que quedan como oscuros lunares y desmerecen de este drama psicológico. Digamos que “Freddy Revenge” sería Buñuel a lo que las otras seis películas Lynch.

Ya desde el comienzo con el resalto de “Nightmare” en letras rojas por encima de “Elm Street” y “Freddy revenge” se nos adelante que el interés de los factores del mismo no está en Freddy, ni en Elm street, sino en presentar una pesadilla en sentido ampliamente romántico.

La luz de la película emerge sobre todo del protagonista, Mark Patton, un actor que ganó el rol a algunas estrellas de hoy, un rol que vale por una carrera, la misma que le costó su interpretación, demasiado buena, y aquí aparecer otra dicotomía que marca la película: Sin alguien como Patton la transmisión de esos aspectos homoeróticos que vamos a intentar señalar hubiese resultado ininteligible; pero el público no esperaba (ni demandaba) calidad interpretativa, y aquí nos introducimos en la materia.

Pienso que el asfixiante transfondo homoerótico que contiene la película de Jack Sholder se hace mucho más tangible por las miradas torridas de Jesse, (Mark Patton) y sus arrebatos over the top que por toques como el bailecito en su habitación, decididamente gay. Ya en la secuencia (onírica) de presentación, dentro de autobús escolar, llama la atención el aspecto casi cadavérico y sin embargo sudoroso del protagonista, con su presencia andrógina de estrella GLAM y psique torturada. Unos asientos más adelante, dos petardas no dejan de comentarle entre ellas. El bus comienza a aumentar su velocidad. La inquietud surge. Tras una carrera desenfrenada por la ciudad de Springwood y de allí al desierto, el cielo se oscurece la tierra arenosa se hunde bajo el bus escolar y surgen tres pilastras naturales de piedra, falos, que parecen sacados de algún cuadro de Dalí, sobre las que queda suspendido el bus. Entonces el rayo eléctrico, que da la vida, castiga su cubierta, como cuando Frankenstein creó a su criatura. Solo entonces el conductor del autobús, que no es otro que Freddy Krueger, se alza amenazando a los estudiantes hacinados al fondo el bus, con su sempiterno guante de afiladas garras metálicas. El bus va perdiendo su equilibrio entre dos falos de piedra y Jesse se acerca a Freddy para afianzarlo: El monstruo de la mente de Jesse ha nacido. A partir de entonces la película podría haber funcionado incluso mejor, sin Robert Englud haciendo de Freddy y el propio Patton desempeñando el doble rol, e incluso me aventuraría a afirmar que bajo el grueso maquillaje muchas veces está Patton y no Robert Englud.

En realidad, el psicópata asesino en serie Krueger, luego convertido en poderoso demonio nocturno, no es más que una excusa para la obsesión de Jesse; la historia de los que sufrieron por el monstruo, incluso murieron en su propia casa, solo es la chispa del rayo para encender el ser íntimo de Jesse. Entonces, la conjunción de la obsesión y las debilidades propias… ¿No podrían ser la puerta para la aparición del psicópata, que con sus crímenes aliviase el sufrimiento que le provoca una identidad sexual no admitida?

En la habitación de Jesse, el adolescente, predominan las formas fálicas, con la omnipresente raqueta, en la cabecera de la cama. Amanecemos en la realidad. Jesse se levanta de la cama. Solamente un fino calzoncillo tapa sus miembros sexuales, (que veremos en la siguiente secuencia cuando durante una pelea con Grady, su compañero-confidente, este le baja los pantaloncitos de fútbol). Conviene resaltar que durante ¾ partes del metraje Jesse muestra alguna desnudez corporal. Jesse baja a desayunar. En la cocina nos encontramos el clásico desayuna american way of life. La discreta presencia de Hope Lange como la madre del protagonista afianza la lectura camp. El personaje del padre, (sin bien no está demasiado desarrollado), trata a su hijo como una proyección de si mismo y de sus confusos deseos homoeróticos soterrados, que la mujer-madre termina siempre de ahogar. Afortunadamente esta trama Padres-hijo queda a la sombra de la trama principal de la identidad sexual y se nos ahorra el conflicto generacional. Otro apunte interesante está en el personaje de la hermanita de Jesse, siempre punzante y ostentosamente femenina aún en su niñez. Su presentación la muestran embutiéndose en los dedos de una mano unas largas uñas, (rojas) que ha encontrado en su caja de cereales, bajo la aterrada mirada de Jesse.

DÉJAME ENTRAR

2009-05-15T10:03:00.005+02:00

Huyo de cualquier manifestación artística cuando suena ruído alrededor. Así, probablemente he perdido la oportunidad de ver, por el momento, de sentir, tocar o escuchar ciertas cosas de valor.

Sin embargo, esta vez me dejé conducir por mi intuición a una sala de cine para ver DÉJAME ENTRAR, (Låt den rätte komma in), película escrita por John Ajvide Lindqvist en la que Tomas Alfredson ha encontrado material para plasmar lo sublime.

No diré mucho más, prefiero comulgar con ella, solamente comentaré algo en lenguaje poético, el más acertado para referirse a esta obra: este a modo de cuento cruel, (y perverso) es como una tabla preciosa llena de matices, de texturas, de veladuras. Aún se advierte aquí y allá algúna mancha, algún craquelamiento que nos devuelve a la tierra y nos hace recordar que el cine es un arte manual.

Decía que esta película casi nos hace contemplar la belleza ideal, esa que está en nuestros cerebros y nuestros corazones.

17

2009-04-30T19:42:00.008+02:00

Es definitivo, ha sido una de las cosas más extrañas de los últimos años. Acabo de volver de ver en un cine del centro 17 AGAIN, (si, lo se, estoy muy enfermo). Primer día de proyección, primera sesión y no he visto absolutamente a NADIE en la sala, (será solo porque era una sala VOSE y estoy en España?).

Los que me conocen conocen también mi debilidad por el joven actor Zac Efron que en esta, su última película estrenada, (no canta pero si juega al basket), enseña bien sus armas, armas que han hecho que veamos ya sobre su cabeza la corona que un día llevaron James Dean (y Tab Hunter), Troy Donohue, (los Bottons), Tom Cruise y Leonardo di Caprio.

La película, (buena), es en este caso lo de menos. Reconozco que entre plano y plano de Zac me he enterado de bastantes cosas, a pesar de que la verosimilitud de todo el artefacto camine sobre pies de barro, (y no por la tipología “Yo solía ser…” a la que la película “17” se adscribe). Pero si ignoramos deliberadamente esto y aceptamos lo tramposillo de la premisa, veremos que los personajes viven, las tramas están bien ardidas, las situaciones (cómicas) son acertadas, los diálogos brillantes y contiene algunos gags realmente tronchantes, (casi todos los que ven juntos a Ned, -un gran Thomas Lennon- y a Mike, (Zac).

La película es muy simple e inocente, no pretende ser más de lo que muestra, pero ejemplifica muy bien ese postmodernismo baldío de la actual década, que tan acertadamente resumió el gran Josito Montez el último lunes. Tal vez por ello, resulta simpático ver los homenajes más o menos velados a frutos de la postmodernidad como a la saga de Regreso al futuro, a Big, a Viceversa y a algunas películas de John Hughes, (lógicamente, las que menos).

El final está muy bien resuelto, siempre utilizando en la puesta en escena el recurso de los breves flash del pasado que vuelven en el momento presente, lo más notable de la película, y te deja con una sensación de melancolía de los 17 años.

Para los temerosos diré que a pesar de la Disney, de Zac Efron, del color rojo en todo, la única concesión a la horrenda franquicia High School Musical es un número, casi al final del metraje, que se localiza en la pista de una cancha de baloncesto, (e incluye a dos locas anabolizadas).

Una película óptima para disfrutar solo, en compañía de tú pareja, de un amigo, de tú grupo de amigos o de todo la familia y si es en una situación tan absurda como la que me ha tocado a mí mejor.

NOTA ¿Por qué en el cartel español le han quitado las Ray ban a Zac?

Parisina. Nueva Grabación sonora.

2009-04-30T14:49:00.011+02:00

La siempre inquieta casa editorial de Bologna BONGIOVANNI acaba de anunciar la inminente publicación oficial de una grabación de PARISINA, Tragedia Lirica en 4 actos de Gabriele D´annunzio. Música de Pietro Mascagni. Esta se esperaba al menos desde hace 15 años y, valga la redundancia, llega en el momento más inesperado.

El registro sonoro proviene de una de las funciones que se dieron en la Opera di Roma, entre diciembre de 1978 y Enero de 1979, por voluntad del Maestro Gianandrea Gavazzeni. No olvidemos que el Maestro chocó en esa ocasión contra un coro de desinformadas y obtusas voces que, ante la perplejidad de un Mascagni diatónico y refinadísimo, bien poco dejaron escuchar de la música de la innovadora partitura, (al menos la que no se había cortado).

Se recuerda que algún crítico con buenas intenciones, (creo que fue el finísimo Cesare Orselli), comentaba que Gavazzeni dirigía con la batuta en alto "como si batallase".

Se apuntaba antes, ante la rexhumación de la opera, que había sido estrenada en la Scala en diciembre de 1913, solo unas semanas antes del estallido de la Gran Guerra, el Maestro Gavazzeni decidió cortar una tercera parte de la ímproba partitura, dejando la duración de la ejecución en unos 150 minutos de música, aunque restituyó el 4 acto, cortado por el propio Mascagni después de la primera representación para "aligerar" la velada, donde, como el propio Gavazzeni afirmó "crece la potencia del genio".

La impresión general de la audición de la grabación de 1978 es de desconcierto, ya que no se llega a comprender como un maestro tan exquisito y sabio como Gavazzeni haya podido mutilar sin piedad una partitura que es de inspiración alada en muchas de las partes por donde las tijeras ha pasado. Será que creió que la estructura "formalmente informal y abierta de la partitura", como él mismo la había definido, se lo hubiese permitido.... Pero lo que sorprende, (y molesta más) es como Gavazzeni varia los tiempos acelerándolos absurdamente en muchas páginas, como si quisiese pasar estas con rapidez para llegar a las que más le interesan, (la "frase" de Galassia en el Tercer acto y todo el cuarto acto)

Un reparto solvente, una orquesta en estado de gracia con la que el Maestro interviene positivamente en los colores de la partitura, (a pesar de los desenfrenados tiempos marcados) y un buen coro permiten hacerse una idea de como es esta Parisina, aunque todavía se espera una oportuna recuperación de la obra en una edición más completa, (se puede dejar la duración de la ejecución de la obra en unos 200 minutos sin dañarla demasiado), con un cast adecuado, (si se encontrasen los cantantes para tal misión) y un director a la altura del reto.

Se espera y se desea que la grabación de Bongiovanni, (vertida en dos discos compactos), tenga un sonido estéreo aceptable, algo probable ya que Bongiovanni tiene acceso a los archivos de la RAI y la ópera fue transmitida y grabada por la RAI de Roma.

Buena escucha!

NOTA Vuelvo a colgar aquí los link para la descarga directa de la ópera en la versión más o menos completa de la RAI de Milano, en 1976, con buen sonido estéreo.

http://rapidshare.com/files/47950793/MASCAGNI_PARISINA_URBINI_1976_3.rar
http://rapidshare.com/files/47960387/PARISINA_URBINI_1976_1.rar
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BEVERLY HILLS MADAM (1986)

2009-04-10T17:44:00.005+02:00

Después de tanto tiempo, encontré esta joya rebuscando en una caja de VHS aún precintados y gracias a un amigo ya está pasada a DVD para la posteridad.

Campeona de las películas malas de serie Z de los 80 Beverly Hills Madam se beneficia de unas tramas bien ardidas por la especialista Nancy Sackett, siguiendo la estela de los libros de Jacqueline Susann y plagiando más o menos descaradamente aspectos de alguno de estos.

La grandeza de esta película es que en la historia se normaliza la perversión e inclusa la perversidad, sin ningún tapujo, dentro de una trama delirante y un repertorio de frases tópicas en los diálogos, abiertamente escandalosos, aunque no se les puede negar su sinceridad.

Una puesta en escena desangelada, unos escenarios exquisitos, (dentro del gusto californiano, se entiende), canciones ochenteras y unas interpretaciones memorables de la criatura camp Melody Anderson y de la gran Faye Dunaway parodiándose a sí misma en Mommie dearest completan la función.

Como curiosidad diremos que Louis Jourdan sigue estando bueno 50 años después.

¿Para cuando el remake?

MARI TRINI (1947-2009)

2009-04-07T12:32:00.003+02:00

Ojalá estés ya con tú buen Dios.

Nosotros seguiremos aquí con tus canciones...

DUALISMOS

2009-03-26T21:41:00.007+01:00

Esta tarde he hecho lo que nunca se debe de hacer: dilatar demasiado en el tiempo la búsqueda del placer.

Tras visitar la exposición de pintura victoriana, dejaba fascinado lo que queda del antiguo palacio de Felipe V sin ninguna ambición de ver cualquiera de las otras atractivas exposiciones que se ofertaban en el Prado.

En cambio, tras satisfacer mi apetito y mi gula en uno de mis restaurantes favoritos, decidí completar mi “educación inglesa” y pagué por ver por fin Slumdog millionaire, la última película de Danny Boyle, con la que contaba con diversas garantías de que me gustase.

Pues bien, no fue así. Tras algo menos de veinte minutos de proyección abandonaba la sala, algo que no recuerdo haber hecho desde que, con 12 años o menos, mi abuela me sacaba de los Cines Rex de la Ciudad del viento, en la que se proyectaba la soporífera adaptación cinematográfica de Bajarse al moro.

¿Qué puedo y qué quiero decir de lo poco que he visto esta tarde? Sensación de tristeza y de traición. Sabía que Boyle es el típico flipado british postmoderno pero sus películas, (todas) siempre me han encantado. No es que Slumdog Millionaire no tenga la misma calidad en la puesta en escena, al contrario, pero el envoltorio no es la carne y algún producto en mal estado que me ahorro describir ha aparecido bajo este. Añadiré solo dos preguntas: ¿Qué impulsos vitales llevan al inglés a narrar una historia que nunca entenderá por ajena a nuestra cultura aún siendo universal? ¿Por qué no ha buscado esa universalidad en su propia Inglaterra en vez de hacer hablar a Indios en inglés con un acento indeterminado? Repito, Trístemente, Boyle también se ha vendido a la cultura de la globalización y yo lo borro de la lista, (espero esto de un bellaco como Michael Winterbotton o de una Chus Gutierrez, por citar otro ejemplo cercano, pero nunca de Boyle).

Está claro que visionar una película como Pasaje a la India, de David Lean debería de ser obligatorio en todas las escuelas británicas.

Llegaba a casa y veía para desintoxicarme lo que aparentemente iba a ser “otra mierda de siempre”. Las imágenes de The Nines me atraían desde el principio. Durante todo la película he disfrutado realmente, he sido sorprendido con algo no tan lejano de mi universo, (reconozco que algo desquiciado). No voy a contar mucho más sobre la estupenda película de John August, porque destriparla sería imperdonable, pero como los que me conocen saben bien que me gusta meter el dedo en la llaga añadiré una reflexión tardía sobre Los abrazos rotos, que podría aplicarse igualmente en detrimento de The Nines.

Esta mañana leía mientras desayunaba que Los abrazos rotos no estaba haciendo todo el dinero que se habría esperado de una película de Almodovar. Tal vez las películas sobre el espectáculo dentro del espectáculo, especialmente del cine dentro del cine, caminan por el filo de la navaja cuando tenemos tendencia a mirarnos el ombligo. Películas como All about Eve o Cómicos en el cine clásico y Network en el postclásico o Showgirls en el postmoderno son modélicas en el arte de, digamos, no molestar al espectador con situaciones y tecnicismos del nuestros mundos del espectáculo que en cambio Los abrazos rotos contiene en abundancia, (y que no contenía, por ejemplo La mala educación). Esto junto con la falta de “almodovarismo” de la que escribía ayer y los “Tamales de Novas”, (y dos o tres cabos sueltos de su personaje clave), pueden haber inclinado la balanza de espectadores hacia una película más sincera e igualmente buena como Gran Torino.

Defraudado por Slumdog Millionaire, todavía bajo la fascinación de Los abrazos rotos, solo puedo decir… ¡Larga vida a los Nueves!

2009-03-25T21:09:00.003+01:00

Y como nunca una viene sin dos, ("dos rallas, dos hombres, dos tetas, dos cabalgan juntos, dos en la carretera...") esta noche caerá esta película de Ken Russell, justamente la primera de entre las suyas que vi y por donde comenzó mi obsesión british e iconoclasta

Valentino, seguramente el Ken Russell más infravalorado de los 70, ha aparecido hoy en DVD en los comercios de España. Aunque el trasfer es de indudable calidad y se presente en VO y con el doblaje español original, no incluye subtítulos ni extras.

LOS ABRAZOS ROTOS

2009-03-25T21:00:00.008+01:00

Esta película me ha fascinado más de lo que podría haber imaginado cuando compraba la entrada y aún antes.

Durante una de las escenas, justo la que recoge la imagen de encima, a mi memoria volvían unas pocas palabras inconscientemente pronunciadas por mí mismo durante una comida en un caluroso polígono, el verano pasado: "El arte parece malo", sentencié ante dos decoradores con goya. Mi snobismo, siempre roto por mí aceptada humillación, (de entonces y de ahora) y mi reconocimiento absoluto de los méritos de esta película valgan para absolverme.

Dudo mucho que Los abrazos rotos contente al espectador medio almodovariano, un patrón de espectador que por desgracia conocemos muy bien en este país. No por nada, el público de la sesión de tarde de la que acabo de regresar parecía desaletargarse solamente en el epílogo de la película, en el que el director se auto-parodia bien conscientemente, reuniendo todos los clichés de su cine, esos mismos que ostentaba su lamentable cortometraje, estrictamente coetáneo La concejala antropófaga, (¿Una campaña publicitaria bien ardida de cara al auténtico mazazo que supondría la película para ese espectador almodovariano?)

El caso es que cuanto menos almodovariana se hace la película más personal parece ésta y crece la potencia del genio. En este sentido, indudablemente ha contado en el éxito de la película la participación de Rodrigo Prieto como Director de fotografía y de Antxón Gómez como decorador. Almodovar ha aprendido con ésta película que menos es más. No solo la planificación sigue siendo, como en La mala educación invisible y los ambientes menos abigarrados de lo acostumbrado en su cine, sino que ha logrado lo que solamente los grandes de verdad lograron: Que el tiempo fílmico se detenga, se estire infinitamente y nos lleve con él como en una placentera ensoñación.

Pero lo más importante es que, tal vez por primera vez, Almodovar ha demostrado una auténtica sinceridad al reconocer sus modelos fílmicos, en esta ocasión: Hitchcock, De palma, Malle, Zulueta, Rossellini, Fellini o Bergman, algunas de cuyas películas "escucha" cual Borges, Harry, el personaje de Homar, o son nombradas durante el metraje. Y si no se menciona a Antonioni al menos se saca a relucir un libro de Tonino Guerra, el guionista del cineasta de Ferrara, porque sin el cine de Antonioni no se entendería una película como esta, ni tendría a penas razón de ser, (se piensa en La aventura, Identificación de una mujer y, sobre todo en Blow Up).

Ni que decir que los actores y actrices están soberbios, con especial mención a Lluís Homar, antológico y a Blanca Portillo, que Almodovar a trabajado como una auténtica sosias de Glenda Jackson. El único lunar que afea la labor de conjunto es el muy deficiente Tamal Novas en un papel clave.

Se me perdone lo apresurado de esta entrada, pero he preferido escribir casi sin pensar, llevado por mis impresiones tras volver a casa tras el visionado.

Mis sinceras felicitaciones y toda mi admiración a los factores de esta gran película.

ON KEN RUSSELL, (y II)

2009-01-26T22:19:00.004+01:00

Actualización: Chequeo el vídeo y compruebo que no aparece visible, así que lo vuelvo a colgar . En cualquier caso puede encontrarse en el enlace, que no se donde aparecerá visible y por eso lo meto aquí.

http://www.youtube.com/watch?v=xpZagdBC8v8

En respuesta al inimitable Montez, el corte que se encuentra en el minuto 4.18 es parte de una secuencia onírica de la película para televisión, (remontada para salas de cine de Estados Unidos y Japón), LADY CHATTERLEY, (1993). Costance Chatterley (Joely Richardson) trata en vano de salvar de las aguas a su esposo, un James Wllby entre nenúfares. Poco antes, hemos podido ver un plano de la primera parte de la secuencia, que muestra a Lady Chatterley sobre un corcel negro, recorriendo una senda flanqueada por soldados muertos en la Gran Guerra, en la pose de un San Sebastian.LADY CHATTERLEY no es que sea lo mejor de Russell, pero es sin duda la adaptación más fina de los libros de D. H. Lawrence sobre el personaje y constituye un logro muy superior a la absurda y sin embargo plagiadora adaptación gabacha de Pascal Ferran, también hecha para televisión y posteriormente estrenada comercialmente en salas de cine.Como se sabe, Russell tuvo la oportunidad de adaptar a D. H, Lawrence con anterioridad en dos ocasiones: WOMEN IN LOVE, (1969) y THE RAINBOW, (1989). Estas películas contienen en mayor medida esa vitalidad entre sexual y espiritual, nunca una sola cosa, de Lawrence que solo Russell supo transmitir en la pantalla.

On Ken Russell

2009-01-26T11:43:00.001+01:00

Queridos todos,

Os dejo un pequeño documental que he encontrado sobre el gran Ken Russell.

Estos diez minutos de imágenes de insólita fuerza constituyen una estupenda introducción al mundo fílmico del cineasta y director de escena inglés y muestran como Russell ha influído, sin duda, en algunos de los discursos del lenguaje audiovisual actual.

¿Qué tal algo de Ken Russell?

LA NOVIA DE CORINTO (1797) Johan Wolfgang Goethe

2009-01-12T14:26:00.003+01:00

Procedente de Atenas, a Corinto llegó un joven que nadie conocía. Y a ver a un ciudadano dirigióse, amigo de su padre, y diz que habían ambos viejos la boda concertado, tiempos atrás, del joven con la hija que el cielo al de Corinto concediera.

Pero es sabido que debemos caro pagar toda merced que nos otorguen. Cristianos son la novia y su familia; cual sus padres, pagano es nuestro joven. Y toda creencia nueva, cuando surge, cual planta venenosa, extirpar suele aquel amor que había en los corazones.

Rato hacía ya que todos en la casa, menos la madre, diéranse al reposo. Solícita recibe aquella al huesped y lo lleva al salón más fastuoso. Sin que él lo pida bríndale rumbosa vino y manjares, exquisito todo, y con un "buenas noches" se retira.

No obstante ser selecto el refrigerio, apenas si lo prueba el invitado; que el cansancio nos quita toda gana, y vestido en el lecho se ha tumbado. Ya se durmió... Pero un extraño huésped, por la entornada puerta deslizándose, a despertarlo de improviso viene.

Abre los ojos, y al fulgor escaso de la lámpara mira una doncella que cauta avanza, envuelta en blancos velos; ciñen su frente cintas aurinegras. Al ver que la han visto levanta asustada una blanca mano la sierva de Cristo.

-¿Cómo --exclama--, acaso una extraña soy en mi hogar, que nada del huesped me dicen? ¡Y hacen que de pronto me acometa ahora sonrojo terrible! Sigue reposando en ese mi lecho, que yo a toda prisa el campo despejo.

-¡Oh, no te vayas, linda joven! --ruega el joven, que de el lecho salta aprisa--. Gusté de Baco y Ceres las ofrendas, pero tú el amor traes, bella corintia. ¡Pálida estás del susto! ¡Ven junto a mí, y veremos cuán benignos los dioses son y justos!

-¡No te acerques a mí, joven! ¡Detente! ¡Vedada tengo yo toda alegría! Que estando enferma hizo mi madre un voto que cumple con severa disciplina. Naturaleza y juventud --tal dijo--, al cielo en adelante habrán de estarle siempre sometidas.

Y de los dioses el tropel confuso de nuestro hogar al punto fue proscrito. Sólo un Dios invisible hay en el cielo, el que en la cruz nos redimiera, Cristo. Sacrificios le hacemos, mas no bueyes y toros son las víctimas, sino lo más preciado y más querido.

Pregunta el joven, ella le contesta, y él cada frase en su interior medita --¿Pero es posible tenga aquí delante; solos los dos, mi bella prometida? ¡Entrégate a mis brazos sin recelo! ¡Nuestra unión, que juraron nuestros padres, juzgar puedes por Dios ya bendecida!

-¡No me toques, que a Cristo por esposa destinada me tienen! Dos hermanas me quedan..., tuyas sean...; yo soy del claustro; sólo te pido de esta desdichada alguna vez te acuerdes en sus brazos, que yo en ti pensaré mientras la tierra tarde --no será mucho-- en darme amparo!

-¡No! ¡A la luz de esta antorcha juraremos cumplir de nuestros padres la promesa! No dejaré te pierdas para el goce, no dejaré que para mí te pierdas. ¡A la casa paterna he de llevarte! ¡Ahora mismo la fecha convengamos en que ha nuestro himeneo de celebrarse!

Truecan muy luego prendas de amor fiel; rica cadena de oro ella le entrega; rica copa de plata de un trabajo sin par él brinda a la sin par doncella --Tu cadenilla no me vale; dame mejor, amada, un rizo de tu pelo incomparable.

De los fantasmas en aquel momento suena la hora, en tanto que dichosos ellos se sienten, y el oscuro vino se brindan mutuamente, y con sus pálidos labios sorbe la novia el vino rojo. Pero del pan que con amor le ofrecen, abstiénese --y es raro-- de probar tan siquiera un parvo trozo.

En cambio, al joven bríndale la copa, que él ansioso y alegre luego apura. ¡Oh qué feliz se siente en aquel ágape! ¡Del amor ambriento estaba y de ternura! Mas, sorda a sus ruegos, ella se resiste hasta que él, llorando, se echa sobre el lecho.

Acércase ella entonces; se arrodilla.

-¡Cuánto verte sufrir me da congoja! Per toca mi cuerpo, y con espanto advertirás lo que calló mi boca. ¡Cual la nieve blanca, cual la nieve fría, es la que elegiste por tu esposa amada! Con juvenil, con amoroso fuego, estréchala él entonces en sus brazos.

-Yo te daré calor --dice--, aunque vengas del sepulcro que hiela con su abrazo. ¡Aliento y beso cambiemos en amorosa expansión! ¡Un volcán es ya tu pecho! Préndelos el amor en firme lazo.

Lágrimas mezclan a su goce ardiente. De un amado en la boca fuego sorbe ella, y los dos a nada más atienden. Con su fuego el joven la sangre le incendia; ¡mas ningún corazón palpita en ella!

Por el largo pasillo, a todo esto, la dueña de la casa se desliza; detiénese a escuchar junto a la puerta, y aquel raro rumor la maravilla. Quejas y suspiros de placer percibe; ¡los locos extremos del amor compartido!

Inmóvil junto al quicio permanece la sorprendida vieja, y a su oído llega el eco de ardientes juramentos que su senil pudor hieren de fijo. --¡Quieto, que el gallo cantó! --¡Pero mañana a la noche!... --¡Vendré, no tengas temor!

No puede ya la vieja contenerse; la harto sabida cerradura abre. -¿Quién es la zorra --grita-- en esta casa que al extranjero así se atreve a darse? ¡Fuera de aquí, en seguida! Mas, ¡oh, cielos!, al punto reconoce al fulgor de la lámpara a su hija.

De encubrir trata el frustrado joven a su adorada con su propio velo, o con aquel tapiz que a mano halla; pero ella misma saca, altiva, el cuerpo. Y con psíquica fuerza, con un valor que asombra, larga y lenta en el lecho se incorpora.

-¡Oh, madre! ¡Madre! --exclama--, ¿de este modo esta noche tan bella me amargáis? De este mi tibio nido, mi refugio sin pizca de piedad ¿a echarme váis? ¿Os parece poco llevarme al sepulcro al lograr apenas la flor de mis años?

Mas del sepulcro mal cerrado un íntimo impulso liberóme; que los cantos y preces de los curas, que acatáis, para allí retenerme fueron vanos. Contra la juventud, ¡agua bendita de nada sirve, madre! ¡No enfría la tierra un cuerpo en que amor arde!

Mi prometido fuera ya este joven cuando aún de Venus los alegres templos erguíanse victoriosos. ¡La palabra rompisteis por un voto absurdo, tétrico! Mas los dioses no escuchan cuando frustrar la vida de su hija una madre cruel y loca jura.

Por vindicar la dicha arrebatada la tumba abandoné, de hallar ansiosa a ese novio perdido y la caliente sangre del corazón sorberle toda. Luego buscaré otro corazón juvenil, y así todos mi sed han de extinguir.

-¡No vivirás, hermoso adolescente! ¡Aquí consumirás tus energías! ¡Mi cadena te di; conmigo llevo un rizo de tu pelo en garantía! ¡Míralo bien! ¡Mañana tu cabeza blanca estará, y tu cara, al contrario, estará negra!

Ahora, mi postrer ruego, ¡oh, madre! escucha: ¡Una hoguera prepara, en ella arroja en sus llamas descanso al que ama, ofrece! Cuando salte la chispa y el escoldo caldee, a los antiguos dioses tornaremos solícitas.

Johan Wolfgang Goethe (1749 –1832)

"ADORO EL BARROQUISMO..." (I)

2008-12-30T15:33:00.001+01:00

El video del año, sin duda, (aunque sea de dos años atrás, pero como dijo una amiga "nosotros llegamos tarde pero siempre llegamos").

Espero que os echéis unas risas en mi honor.

Os deseo a todos un Año Nuevo estupendo.

Lord Alfred.

"ADORO EL BARROQUISMO..." (II)

2008-12-30T15:32:00.001+01:00

El Surrealismo vive...

"ADORO EL BARROQUISMO..." (y III)

2008-12-30T15:31:00.001+01:00

España Caní.

¿Y fin...?

AUTUMN LEAVES, LA SOLITARIA QUE ENCONTRÓ A SU AMADO.

2008-11-19T19:03:00.015+01:00

Queridos Todos,

Un blog como este no podría volver de entre los muertos sino con un artículo a la sombra de la gran Joan Crawford!

Su interpretación favorita es curiosamente mi película absolutamente favorita de entre las de ella: "AUTUMN LEAVES", (“Hojas de Otoño”,1956)

Pero comencemos con las palabras de la propia Crawford, que no duda en calificar su película como "best older woman/younger man movie ever made," –añadiendo- "Everything clicked on Autumn Leaves. The cast was perfect, the script was good, and I think Bob [Aldrich] handled everything well. I really think Cliff did a stupendous job; another actor might have been spitting out his lines and chewing the scenery, but he avoided that trap. I think the movie on a whole was a lot better than some of the romantic movies I did in the past...but somehow it just never became better known. It was eclipsed by the picture I did with Bette Davis".

Aparentemente esta es la historia de una mujer resignada a su soledad y de un chico misterioso y morboso que se siente atraído por mujeres mayores, pero veremos, veremos que pasa tras los primeros veinte minutos de proyección…

Desde las colinas doradas de la decadencia vemos una de las cumbres del cine camp, (o el así denominado). Todavía me recuerdo a mi mismo sentado en la segunda fila de la pequeña filmoteca de mi Ciudad del Viento, encajada en el pianterreno de un palacio del renacimiento, junto al patio de alabastro. Y recuerdo también las risas y comentarios de los otros espectadores suscitados por una película que yo, sin embargo, tomé muy en serio.

Hagamos un poco de memoria histórica, (quiero decir, tranquilicemonos): El emergente director Robert Aldrich encontró en el guión de Jean Rouverol y Hugo Butler un medio para alejarse de las películas estilizadas y sádicas, (sadismo intencionado, se entiende), producidas para un público mayoritariamente masculino. Muchos quedaron desorientados al ver el nombre de Aldrich a la cabeza de esta woman picture (algo especial) después de "KISS MY DEADLY" (1955) y "THE BIG KNIFE" (1955), adaptaciones de la literatura pulp desde una óptica completamente diversa a la de un Kubrick.

La estrella de “HOJAS DE OTOÑO” era Joan Crawford. Tras una iniciales visicitudes por los recovecos del rol, la relación entre la Crawford y Aldrich fue cordial y comunicativa.

Para el papel principal se propuso al joven Clift Robertson, un virtual desconocido en Hollywood si exceptuamos su papelito en “PICNIC”, (1955). Parece ser que el actor fue personalmente audicionado por Joan en su propia casa. La Crawford todavía se podía permitir esto en una película de presupuesto medio, y, efectivamente, la química entre Crawford y Robertson, (con 21 años de diferencia entre ella y él) es remarcable. Lo demuestran esos largos minutos de besos calientes y desenfrenados, no ajenos al amour fou, que nos hacen cómplices de ellos. Solo se me ocurre como igual equivalencia de morbo a Christopher Plummer/ Capitan Von Trapp besando a Julie Andrews/Sister Maria en “SONRISAS Y LÁGRIMAS” (1965).

Es cierto que Joan parece un muchacho algo más que maduro…, (salvo durante el indescriptible gagg de la caseta de la playa, en el que muestra su prominente busto y sus salientes caderas), y que Clift parece el chico de la piscina del Hotel “todo incluído”, sí, pero la Joan madura Nunca estuvo tan hermosa y el joven Clift tan arrebatador y esto es esencial en una película en la que se hacen tan explícitas las necesidades sexuales de los personajes.

El resto del reparto está estupendo, con especial mención a Vera Miles, que demuestra la gran estrella que podría haber sido. Sabe mirar, sabe caminar, sabe articular la palabra y transmitir sensualidad con las inflexiones de su voz. En un papel tan difícil, (y tan ingrato). El primer catfight que comparte con la Crawford y su presentación en una aureola de misterio nos ayudan a imaginar como hubiese sido su Madeleine en "VERTIGO" (1958).

Arrojemos un poco de luz sobre la trama: "HOJAS DE OTOÑO" cuenta la historia de Millie Wetherby (Joan Crawford), una mujer de edad indeterminada, que poco tiempo atrás cambió los fríos bosques de Nueva Inglaterra, (Oh! las historias de mujeres venidas de Nueva Inglaterra), por las arenosas playas de California, donde sobrevive en un modesto bungalow mecanografiando trabajos ajenos. El resto es recuerdo, (pasó su juventud al lado de su padre inválido hasta que este murió), y soledad, excepto por las continuas visitas de su casera Liz (Ruth Donnelly). PALIMSEPTSTO: Yo mismo tengo una relación muy parecida con mi casera. FIN PALIMSEPSTO.

Una noche Millie camina algo resignada por las calles, tras asistir a un concierto. Es una noche especial y decide parar en un diner. Después de pedir una ensalada de pollo, un joven extraño, muy atractivo le pide con modos exquisitos si puede sentarse en su mesa, ya que el resto de asientos del local están ocupados. Burt Hanson (Cliff Robertson) dirá tras unas breves palabras intercambiadas "You know something? You're lonely". La relación progresa no sin visicitudes. “You should find a girl our own age”-le llegará a decir Millie-, pero Burt vuelve siempre a ella, que terminará cediendo al matrimonio.

Enseguida veremos que el tema central de la película no es la soledad unilateral vencida para pasar a ser compartida y como la engañamos a veces “en pareja”, sino la dependencia y como algunos críticos han señalado “el incesto”. Veamos: Liz, la vecina cotilla, quiere a su hermano, del que siempre habla y que depende de ella, Millie quiso a su padre que a su vez la quería y dependía de ella y Burt, directamente, busca a una madre que le proteja de de su padre y de una fuerza perversa que no contaré aquí para no estropear el visionada del film, y querrá a Millie para salvarse a sí mismo.

Como hemos adelantado antes, esta es la película de las falsas apariencias. El mismo conflicto principal cambia a una pesadilla incestuosa y edípica cuando Millie descubre la verdad de Burt. Esto es, en la secuencia estilísticamente más lograda del largometraje y la más emotiva, que sucede en algún centro recreativo de vacaciones. Millie/madre ordena a su marido/hijo que suba a encontrarse con su padre. Burt obedece. Pero cuando Millie cae en lo cierto corre tras de él. El resultado: Nos es suficiente con ver por los ojos de ella a Burt apoyado contra la pared y cabizbajo, (¡Pobre diablo” y sin embargo tan guapo…) frente a una puerta abierta. Millie/Madre se acerca a esta y asomándose encuentra una cama desecha y la puerta del cuarto de baño bien cerrada, mientras, Burt está perdido en un torbellino de pensamientos oscuros en el largo pasillo, (es difícil entonces no apiadarse del personaje o enamorarse de él).

Como se habrá podido imaginar, esta película se ve siempre a través de la óptica de Millie, algo distorsionada por su miedo hacia las acciones/reacciones de Burt, que lo muestran primero como un posible estafador, luego, en su ansiedad como un mentiroso compulsivo y finalmente, en su sacrificio como un enfermo mental. Será Ella quien lo proteja hasta sus últimas consecuencias, incluso si el chico, en un brote psicótico, aplasta su mano con la máquina de escribir, privándola de su instrumento de trabajo y de la posibilidad de ejercerlo. Pero cuando la sociedad, (encarnada en un gentil doctor) lo reclama insistentemente Millie/Madre no tiene más remedio que mandar a su hijo/amado/esposo a un sanatorio mental en el que se le freirá cualquier resquicio de sensibilidad para “recuperarlo”, (esto mostrado en una compleja secuencia, tal vez la única realmente desatada de la película, en la que los primeros planos de las sesiones de electroshock se alternan con los de ella pasando por los lugares amados o trabajando para pagar su internamiento).

La puesta en escena de Aldrich es, como siempre, visible, (esa plano de Joan acercándose al teléfono para denunciar a su marido, con el aparato distorsionado en primer término) y muy eficaz, como es sonoro y abierto el diálogo, con algunos de los diálogos más ocurrentes y brillantes de los años 50. Como en VERTIGO, se trata de mostrar las obsesiones, (sobre todo esquizofrénicas), de los personajes. La tensión siempre se mantiene alta, de una secuencia a otra, de un giro al siguiente y el final, (un poco tonto, afortunadamente poco melodramático) está a la altura.

La imagen es muy naturalista, un naturalismo que crea desasosiego, como no en Estados Unidos. La fotografía es en blanco y negro, (casi indispensable para retratar a Miss Crawford) y muy remarcable, aunque terminemos extenuados conociendo cada centímetro del mentón de la actriz y nada de su cuello, sabiamente dejado a la oscuridad, (cuando el cerco oscuro se abre mostrando parte del cuello, siempre es con una finalidad dramática).

Una Joan magnífica de busto y de intenciones dramáticas, tan entregada como siempre, hace todo lo que puede llegar a hacer una mujer-madre por el hombre que ama… Con ella los excesos siempre están garantizados.

Inauguro con esto una nueva etapa hacia el Over the top en la que no me hago responsable de mis propias palabras. Veremos...

un nuevo mañana...?

2008-03-12T17:54:00.004+01:00

Siempre he sido Neely O´hara.

Mañana empiezo a trabajar en una agencia de representación de actores...

Tal vez pueda ser Anne Welles...

SE ESCRIBIERON 5000 CARTAS...

2007-11-13T22:29:00.000+01:00

Entre los profanos con cierta pátina cultural Pietro Mascagni es recordado por CAVALLERIA RUSTICANA (1890), casi siempre por su sublime intermezzo sinfónico y a lo sumo por alguna pagina scelta presente en las películas de Coppola o Scorsese.

CAVALLERIA RUSTICANA
Melodramma en 1 acto.

Libretto: G. Targioni-Tozzetti y G. Menesci a partir de la obra homónima de G. Verga.

Santuzza: Maria Callas

Turiddu: Giuseppe Di Stefano

Alfio: Rolando Panerai

Mamma Lucia: Ebe Ticozzi

Lola: Anna Maria Canali

Orchestra: Orchestra Teatro alla Scala

Chorus: Coro Teatro alla Scala

Chorus Master: Vittore Veneziani

Conductor: Tullio Serafin
Place: Basilica di Santa Eufemia, Milano

Date: June 16-25, August 3-4, 1953

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Pero el italinissimo genio Pietro Mascagni (1863-1945) es eso y mucho más. Odiado o ignorado por la mayoría, en ocasiones, puede llegar a desatar pasiones sinceras, como las que desató en vida, (solo hace falta echar un vistazo a sus imágenes) y no solo por su música.

Aquí me gustaría contaros algo de su amada inmortal, Anna lolli, corista de bellísima voz y figura fascinante “Los labios un poco carnosos, sensuales, que invitaban a besarlos. Grandes ojos verdes, estupendos, profundos como no he visto en mi vida” escribía de ella el Maestro asistente de Mascagni, Luigi Ricci, cuando revelaba en 1976 una historia de amor que solo la familia y los amigos más íntimos de Pietro conocían.

En una tarjeta de Mascagni se lee: “A mí adorada Anuccia, cuyos divinos ojos apenas abiertos a la luz, me dieron las notas apasionantes de Cavalleria Rusticana. Cerignola, Bagnara. 10 de sepetiembre de 1988. Roma 10 de mayo de 1890. Roma 17 de mayo de 1930”. El propio Mascagni nos aclarara la dedicatoria en una carta: El 10 de septiembre de 1988 Mascagni comenzó a componer CAVALLERIA RUSTICANA en la pequeña ciudad del adriático Cerignola, cuando se le aparecieron a través de la ventana dos grandes ojos verdes que le miraban, (¿Habría leído Mascagni a Becquer?). Esa misma noche, a cientos de kilómetros nacía en Bagnara di romagna, un pueblecito de la Emilia Romagna, Anna Lolli. Mascagni asegura también que cuando en 1910 vio por primera vez a Anna, en un ensayo, reconoció esos ojos.

Pero para comprender determinantemente esta historia debemos retroceder 25 años atrás, cuando el joven Pierino escapa de los rigores del conservatorio de Milán para unirse como director de orquesta a una compañía itinerante de opereta, en la que cantaba Giuseppina Acconci, su primer y tierno amor. Entre representación y representación, encontraba también tiempo para componer la opera GUGLIELMO RATCLIFF, (solamente estrenada en 1895) directamente del texto de Henrich Heine, que el consideraba la opera favorita de entre las suyas. Pero cuando Mascagni pidió matrimonio a Giuseppina se vió decir por esta que le fuese a ver cuando tuviese una posición estable, respetable y seria. Consecuentemente, llega la ruptura y Pietro cae en una profunda depresión. En Parma, conoce a Lina Carbonari, que le cuida y asiste en su cuartucho de pensión, hasta hacerle sanar y con la que enseguida se casa. Donna Lina estará cerca del Maestro hasta la muerte de este y le dará tres hijos.

GUGLIELMO RATCLIFF
Tragedia Lirica en 4 actos de H. Heine en la versión rítmica italiana de A. Maffei

Guglielmo Ratcliff: Lando Bartolini

MacGregor: Philip Cokorinos

Maria: Carol Ann Manzi

Douglas: Brian Davis

Margherita: Eugenie Grunewald

Tom: Lawrence Long

Willie: Anna Tonna

CoryOrchestra: Teatro Grattacielo Orchestra

Chorus: Cantori New York Chorus

Chorus Master: Mark Shapiro

Conductor: Alfredo Silipigni
Alice Tully Hall, New York CityNovember 25, 2003-

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El primer encuentro íntimo entre el entonces famoso compositor y la joven corista se recoge en una carta de él, fechada en Roma el 4 de Abril de 1910. Ella tenía 22 años mientras él 46. Si se ven las fotos de la época Pietro Mascagni conservaba su estupenda figura, su rostro masculino de facciones perfectas y sus ojos claros y expresivos, velados por cierto fulgor, “como el de las estrellas en una noche de verano”. En esa época el maestro atravesaba una crisis creativa, mientras trataba de escribir la ópera ISABEAU, (1911) inspirada en la leyenda de Lady Godiva, (se note que, en esta ópera el personaje del joven Folco se obsesiona con los ojos de la Princesa Isabeau, que cree haber visto en sueños y que al final, los suyos propios serán apagados por el pueblo furioso, tras haber contemplado los “misteri biondi” de la princesa durante la cabalgara de ella por la ciudad. Al verlo linchado, Isabeau se arroja a la maraña humana para ser herida de muerte. “fiori e tuoi occhi e tutto anche la vita. Amore, amore, amore”, cantan los dos amantes reunidos antes de morir). Tras el encuentro con Anna, Mascagni escribe casi toda la música de la nueva ópera en unas semanas pasadas junto a ella, a quien dedicará la partitura, (“A ti, Annuccia mia, ofrezco esta música inspirada de los ojos más profundos, nacida con nuestro amor divino, en el día que marca nuestro primer beso, nuestro primer llanto”).

Parece que Pietro Mascagni y Anna Lolli vivieron más de cartas que de cama. En los 35 años que van desde que se conocieron hasta la muerte de Mascagni se escribieron más de 5000 cartas. Estas se encuentran a disposición de los estudiosos del Maestro en un pequeño museo creado por el Párroco de Bagnara di Romagna, que presente además todos los recuerdos de Mascagni recogidos por ella en vida. Las mascagnianas suelen comenzar con la misiva “annuccia mia”, rodeada de los adjetivos más poéticos y las de ella “Amore mio santo”

Releyendo algunas de estas somos testigos de las “actividades culturales” de Mascagni, pero también sus obsesiones, exasperaciones efusivas sentimentales, que pueden resultar sublimes durante los estados creativos del Maestro, emocionantes durante los periodos de alejamiento, o adquirir tonos propios del género patético-cómico en los naturales momentos de crisis, (amenazas de desaparecer y la sombra de los celos en las de ella, ardientes frases y golpes de efecto propios de sus óperas en las respuestas de él, (a menudo se servía de los libretos de estas para expresarse). Parece ser que ella, consciente de vivir una relación difícil, intentó un par de veces de alejarse de Mascagni, incluso con el suicidio, saliendo siempre reforzada la relación, hasta estabilizarse definitivamente durante la Gran Guerra.

Desde entonces, Mascagni tuvo dos familias, cada una de las cuales sabía de la existencia de la otra. Pietro Mascagni, respetable figura pública, no quiso nunca separarse de su familia aunque no oculto su amor por Anna e incluso tuvo la complicidad de Emy, su hija, con la que Anna tuvo estrechos y largos periodos de contacto.

Donna Lina, que proclamaba orgullosa que solo ella lavaba la ropa interior de su marido, hizo todo lo posible para separarlos, sin conseguirlo hasta que, conociendo bien las debilidades de Pietro, (siempre habría de haber otra mujer), aceptó ser un vértice en el triángulo sentimental. Parece ser que las dos mujeres se encontraron una vez en 1921, durante los ensayos de la opera IL PICCOLO MARAT (1921), otra, en el Hotel Plaza de Roma, donde Mascagni había establecido su propio domicilio años atrás, poco tiempo antes de la muerte del Maestro.

Seguramente el momento de suprema felicidad para Pietro y Anna fueron los seis meses pasados en Castel Fleury, Bellavue, un suburbio de París. Mascagni alquiló esta casa bajo falsa identidad y se instaló con Anna para musicar la tragedia que el poeta Gabriele D´annunzio había escrito para él.

Si se analiza el material temático de la ópera, PARISINA (1913), una especie de ceremonia de colores otoñales, que dura más de tres horas y media, parece que hayan sido unos meses de auténtico aislamiento creativo y, en cambio, el epistolario mascagniano demuestra lo contrario. Durante tres de los seis meses la pareja recibió como huesped al propio D´annunzio, con el que Mascagni mantendrá una relación fraternal intensa y al límite de todo sentimiento, mientras le hace escuchar cada día al piano lo que ha compuesto por la noche, (la vena creativa de Mascagni era nocturna) y durante el verano a Emy, la hija adolescente del Maestro, que recoge muy bien el espíritu de estos días de charlas, juegos y jardines en su emocionante libro: “S´inginocchi la più piccina” (1936) .

Gran material para una película de Visconti, si este no hubiese sido tan cobarde para algunas cosas, (Mascagni coqueteó en un su vejez con el Fascismo de Mussolini, que luego rechazó), y tan snob para todo.

La ópera queda como la suma más madura y conseguida de las fuerzas creativas de Mascagni, sería también dedicada a Anna.

PARISINA
Tragedia Lirica en 4 actos de G. D´annunzio.

Nicolò d'Este: Benito di Bella

Ugo d'Este: Michele Molese

Parisina: Emma Renzi

Stella dell'Assassino: Mirella Parutto

Aldobrando Rangone: Ferruccio Mazzoli

La Verde: Mirna Pecile

La Fante: Mirella Fiorentini

1ª Doncella: Maria dalla Spezia

2ª Doncella: Mirella Fiorentini

3ª Doncella: Angela Rocco

1º Compagno: Teodoro Rovetta

2º Compagno: Giancarlo Vaudegno

3º Compagno: Ivan del Manto

4º Compagno: Guido Pasella

5º Compagno: Teodoro Rovetta

Orchestra: Symphonic orchestra of the RAI, Milano

Chorus: Chorus of the RAI, Milano

Chorus Master: Mino Bordignon

Conductor: Pierluigi Urbini
Place: RAI, Milano

Date: October 9, 1976

Studio: Live Concert

Links de Rapidshare:
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Cuando Mascagni vuelve al seno romano familiar, Anna se mudó a un pequeño apartamento de la ciudad, con su hermana y su sobrina, donde llevaba una vida reservada, casi de reclusa, a la espera de la visita de su amante o de una carta suya. Una vez que dejó el coro del teatro Costanzi, (hoy Dell´opera di Roma) se la podía ver a menudo en el teatro, cuando se representaba una ópera del maestro, presente en todas las temporadas, (hoy raramente se pueden escuchar sus óperas, a excepción de Cavalleria, aunque para octubre de 2008 se anuncian seis representaciones de la ópera AMICA, (1905).

Así pasaron 35 años, para ella su amante y Nume tutelare, para él su amada y confidente. A partir de la década de los 30 Anna, ya una madura y gruesa señora, pasa largar temporadas en Bagnara, de donde siempre regresa con pasta y dulces para su Pietro. Tras la muerte de Mascagni, en los días en los que el ejército Aliado liberaba Roma de la ocupación alemana, Anna volvió a su pueblo, donde llevó una vida oscura y discreta hasta apagarse en 1972.

Seguramente, él sigue mirándo esos inmensos ojos verdes…

NOTA: Se incluyen los links de registraciones sonoras de tres títulos Mascagnianos. De entre las pocas existentes, (dejando a parte Cavalleria), estas son mis favoritas, aunque presenten cortes importantes que desfiguran la obra y el sonido no sea siempre perfecto. Estas han sido colgadas por mí mismo en rapidshare.com, así que las podéis descargar fácilmente y gratuitamente y disfrutar.

PARA TÍ...

2007-10-31T09:56:00.001+01:00

Por los viejos tiempos, vamos allá!

A TÍ.

2007-10-29T21:32:00.000+01:00

Vuelvo de un viaje que siempre supe que haría para verte, pero no solo para verte, para estar contigo, pero no solo para estar contigo, para mirar junto a tí, eso sí y siempre.

En tres jornadas me has hecho olvidar, más que un sacramento, hábitos y vicios que tardaré todavía en volver a adoptar; pensamientos oscuros que, ahora, trato de clarear, (como tú sabes, siempre tropiezo en la misma piedra).

Me llevo el sutil y el absoluto, eso que se ve o no se ve, (creo que los dos lo vemos, lo vimos ayer paseando por un lugar atemporal y sublime). Y se que sabes que quiero decir con esto: espectadores del mundo que lo esperan todo y no piden nada, en el país de los ciegos, eso somos y seremos tú y yo.

Gracias por siempre E. C. D. F.

CITA EN BRAY

2007-10-21T22:54:00.000+02:00

Puestos a hablar de las películas de mi vida, hablemos de “Cita en Bray” (RENDEZ-VOUS À BRAY, 1971), de André Delvaux.

Cosas del destino, yo debía de haber visto está película proyectada hace cuatro años. En cambio, solo se me permitió verla el año pasado. Y recuerdo… La Filmoteca de la ciudad del viento pasó un ciclo itinerante dedicado a la figura de André Delvaux. Creo que acudí a todas las pocas sesiones menos a una, la de la película que más me había atraído sobre el programa. Extrañamente, la noche de antes había recibido un mensaje de voz en mi teléfono móvil: un cinéfilo, director y ex-amigo me aconsejó que no dejase pasar esta película, ya que había advertido sorprendentes similitudes con un guión, mi primer guión, que acababa de darle a leer. Esta extraña coincidencia me sugirió todavía más que debía de ver esa película. Al día siguiente, un conductor de autobús perezoso fue el culpable inocente de que no llegase a tiempo, (la Filmoteca de Zaragoza tiene la óptima costumbre de no dejar pasar al espectador una vez comenzada la sesión).

A partir de ese momento me procuré toda la información posible de la película, ya que era virtualmente imposible visionarla en otro formato que no fuese película. Preguntaba siempre a quien me la había recomendado que se mostraba parco en descripciones y en cambio insistentemente reiterativo en que le cediese mi guión, hasta minar nuestra amistad.

Murió Delvaux y, un mes después, apareció en Bélgica la más preciosa edición de una película en DVD que conozco. Esta es, "Cita en Bray".

Una vez vista la película, me pareció haber estado viéndola siempre, viviendo siempre de continuo en ella. Y sí, esas similitudes con mi guión, no realizado, existen.

Pero antes de la película había una novela corta: El propio Delvaux comentó que la elección del material de Julien Gracq: “Le roi Copethua” se debió a las sorprendentes similitudes que encontró entre el personaje de Julien Eschenbach y él mismo, antes de convertirse en director de cine, (es conocido que acompañaba al piano las películas mudas, casi siempre francesas, que se pasaban en la filmoteca de Bruselas). La novela, en palabras de su director: “se passe toute entiere dans un present qui est fait d´une longue attente, d´un climat d´envoutement qui porte les personages a vivre comme un moment reserve de leur vie, un moment dont peut-etre il ne restera plus traces apres”.

A penas hora y media bastan para contar una historia que parece compleja por su interdimensionalidad, pero que es más sencilla que que la vida consciente:

Una tarjeta invita a Julien, (Mathieu Carrière) pianista Luxemburgués, bloqueado en París en mitad de la Gran Guerra, (1917), a pasar dos días en La Fougeraie, una villa en los suburbios de París. Julien no duda ni un momento de que esta provenga de Jaques de Nouil, (Roger Van Hool) su único amigo, ahora oficial de aviación en la Guerra. A Julien le recibe en cambio la hermosa y misteriosa Elle, (Anna Karina) el ama de La Fougeraie. La espera le hace pasar la tarde recordando algunas vivencias del pasado compartidas con su amigo solo o en compañía de la amiga de Jaques, Odile, (Bulle Ogier), bonita aunque algo vulgar, a la que también se la llevó el viento…

En la película, la amistad entre Jacques y Julien se ve completada con el añadido del personaje de Odile, que hace de catalizador entre ambos, una mujer opuesta a la que Julien encontrará en La Fougeraie. La primera es una mujer simple, como el propio Julien e incluso un poco vulgar. Elle, la mujer que Julien encuentra en la villa en vez de a su amigo, es más cercana al carácter y a las costumbres de Jaques, con la que Julien tendrá una experiencia psíquica pura. Su encuentro por una jornada es una ceremonia mística de redención (aunque revestida en la película con toques eróticos, sin duda una metáfora de las cosas descuidadas o no dichas). En palabras de Delvaux: “Cest comme cela que le film s´est costruit: deux femmes, deux hommes, deux formes d´amour .

Dos niveles narrativos pues, en tiempo presente y en tiempo pasado, que confluyen en momentos álgidos. La estructura narrativa de la película es musical, como sería propia de una sonata propia o una sinfonía. Solo hace falta individuar las distintas piezas musicales, (de Brahms a Devrese), y ver como están dispuestas para comprobar su unidad programática y como la soiré musical crea el relato.

La música sería aparente el elemento principal de la película, y desde luego, su fondo, Música casi siempre diégetica, es decir, que suena en la realidad de la película. También para Delvaux este es un film musical. Y si, la película parece más hecha de formas musicales, (estructuras) que de formas narrativas, como sucedía en la novela.

Por otra parte, no se trata de una narración que incluye partes oníricas a partir tiempo pasado, sino que el visionado de esta puede producir el efecto de un sueño. De nuevo en palabras de director, la película: “est une historie d´amor et une historie d´amitie qu´on peut suivre jusqu´au bout sans se poser de questions si on ne veut pass s´en poser”.

Delvaux demuestra ser inteligente al elegir una historia reductiva y de tintes intimistas. Así, en su puesta en escena, puede concentrar sus esfuerzos y enseñar sus armas: Dirección de actores que exaspera hasta el movimiento de un dedo, belleza y verdad en los decorados, perfección técnica en la ejecución del cuadro… etc. Delvaux, opta, esta vez, por largos planos de movimientos fluídos; Fotografía atmosférica, casi fantasmal, atenta a la creación de los ambientes enrarecidos, a partir del diseño de producción, a partir del detalle a todo lo sensorial, (la música, la comida de escena, incluso el tacto de las telas), según una tradición de raíz escandinava.

Delvaux también homenajea a las películas de su infancia, al insertar cinco minutos de un episodio de ese Fantômas que tanto gustaba a los franceses de principios del siglo XX. Dos secuencias más tarde, en el tiempo pasado del relato, Odile rememora la historia que Julien ha acompañado al piano y ella han visto, con vivo interés, en la pantalla. Delvaux nos presenta uno de los momentos mágicos de la película cuando, al pasar de nuevo al tiempo presente, en la Fougeraie, mantiene en la voz en off la narración de la historia de Fantômas por Odile, pero cambiando, gradualmente a la voz en off de Elle, (con una sutileza que puede hacer pasar desapercibido esta exquisitez) , cuando el relato de la película muda puede tener cierta relación con los acontecimientos del momento presente para Julien y la propia Elle.

Metalingüística y polilingüística: La música, el cine… también dos obras de arte plástico, a modo de leit motiv: el grabado de Goya “El sueño de la razón produce monstruos” y el cuadro surrealista “El rey y la Mendiga” de Paul Delvaux, tío del director.

Pero… ¡Basta! Todo está de más ante lo sublimo y yo soy un loco al tratar de analizarlo, aunque sea solo acerando el pincel al lienzo. Y se sabe, la reñida relación entre las distintas artes puede provocar una criatura maravillosa pero letal, (“Croce e deliza”)

Añadiré solo que nunca Delvaux, un autor original e individual, como Bergman, Antonioni o Ford, estuvo tan atinado, (de echo se trata de su película favorita, la que eligió para que apareciese publicada en soporte digital antes de morir), a parte de algún momento de perfección cósmica en la posterior Benvenuta, (1982).

Cita en Bray es una película de relativo fácil visionado, incluso para el espectador no atento al signo, que vea solo la belleza y lo idoneidad de las cosas, que es ya bastante. Pero también ha quedado como uno de los hitos ocultos del cine de todos los tiempos, un Montxalvage que, cuando se encuentra, se ama o se odia como todo lo sublime y si eliges amarlo te pertenece para siempre porque es eterno.

NOTA: El misterio se pasa de mano en mano. Quien desee ver esta película solo tiene que pedirlo aquí. Recibirá una copia en DVD o un conveniente enlace en la red de redes.

DEBORAH KERR (1921-2007)

2007-10-18T22:42:00.001+02:00

Esta mañana recordaba cuando, con 19 años, acudí a la filmoteca de mi ciudad. Quería ver proyectada TÉ Y SIMPATÍA, la película que tanto me había tocado años atrás.

Desde hace unas horas Deborah Kerr ha dejadado el mundo terrenal, pero su dulce mirada siempre acompañará a los limpios de corazón.

Muy pocos lo sabían, esta Gran Señora pasaba largas temporadas en Málaga, la mitad del año, en realidad, con su marido y sus niñas. Quien le escribiese siempre recibía una foto suya con una gentil dedicatoria. Es lo propio de una estrella.

Te queremos tanto, Deborah...

Que el largo viaje te sea propicio.

UN POEMA POR UN ESTADO DE ÁNIMO...

2007-10-18T13:06:00.000+02:00

AFTER MANY DAYS

I wonder if with you, as it is with me,

If under your slipping words, that easily flow

About you as a garment, easily,

Your violent heart beats to and fro!

Long have I waited, never once confessed,

Even to myself, how bitter the separation;

Now, being come again, how make the best

Reparation?

If I could cast this clothing off from me,

If I could lift my naked self to you,

Of if only you would repulse me, a wound would be

Good; it would let the ache come through.

But that you hold me still so kindly cold

Aloof my floating heart will not allow;

Yea, but I loathe you that you should withhold

Your pleasure now.

D. H. LAWRENCE.

RETRATO DORADO

2007-10-11T09:55:00.001+02:00

"All good poetry is forged slowly and patiently, link by link, with sweat and blood and tears."

Lord Alfred Douglas

LOS CHICOS DE LA BANDA (THE BOYS IN THE BAND, 1970)

2007-10-08T14:52:00.000+02:00

Cuando por fin se anuncia en USA la aparición en DVD de la película de William Friedkin THE BOYS IN THE BAND, conviene echarle un ojo encima…

Una madrugada de sábado de esos fines de semana en los que me quedaba solo en casa, con trece o catorce años, cogí por casualidad esta película. Aún vista empezada, me impactó profundamente; no podía ser de otra manera. Años después, con 20, descubrí, durante una conversación en un tren, con una reina en toda regla, el título de la película y que esta había sido dirigida por el director de El exorcista, The French connection, Vivir y morir en L. A. o Cruising, películas que me encantan.

Con el tiempo y gracias a un muy buen ripeado del VHS en dual Castellano-inglés, disponible en la red de redes, he podido volver a disfrutar de esta película.

Y yo, que películas de temática GAY pura y dura he visto tantas, afirmo que solamente esta y Ni en tu casa ni en la mía de Rose Troche, mantienen un nivel de calidad alto. Por supuesto, dejando de lado películas en la que aparecen personajes homosexuales u otras “desviaciones”, (obsesiones sexuales, Dragg queens, lesbianas, pederastia…etc), entre las que existen auténticas joyas.

LOS CHICOS DE LA BANDA, la película, aparece en 1970, dos años después de su estreno como obra teatral, que alcanzó más de 1000 representaciones con enorme éxito en el off broadway. El de Mart Crowley, un Diplomado de la Universidad Católica de América, es un buen texto, (a pesar de algún plagio, no justificado, a Oscar Wilde puesto en boca de Harold, mi personaje favorito).

Un poco, el discurso de la obra es que “el único homosexual feliz es el que está ya muerto”, afirmación contra la que lucha exteriormente todo el tiempo Michael, el protagonista. Duro y pesimista pues.

Para su transposición fílmica, Mart Crowley, también productor de la película, a parte de añadir un prólogo con la delirante versión de "Anything Goes" de los Harpers Bizarre, revisa bien poco su obra, (incluso el final de la primera parte de la función sigue estando allí), y salva lo más posible del equipo técnico original y todo el artístico, por supuesto. Para dirigirlo llega un joven, elegante y prometedor director, curtido en la televisión, con tres largometrajes independientes a sus espaldas: William Friedkin,

En sus manos, la película resulta memorable y ya desde su estreno ostenta el rango de cult movie, además de obtener un buen éxito comercial “de minorías”.

Friedkin despliega una puesta en escena real, notable técnicamente, (resulta encomiable el trabajo del operador de cámara), y muy acertada para el material preexistente. Su película marcha sobre carriles a un ritmo ideal y no solamente es una película independiente de Crowley, también lo es de Friedkin.

El arranque de la trama nos muestra un poco la vida cotidiana de siete homosexuales desarraigados, mas o menos exitosos, en una gran ciudad, (unas secuencias muy brillantes, escritas para la ocasión). Luego nos quedamos ya en el piso de Michael, un treintañero sureño y universitario enfrascado en los preámbulos de una fiesta de cumpleaños, que ha organizado para Harold, un ex-amante y ex-patinador, judío picado de viruela, seguramente la única persona a la que haya querido en su vida, para el que Michael no escatima lujos, pagados a crédito con un sueldo del subsidio social. La divertida y loca fiesta de cumpleaños comienza y los invitado, (“mariposas ajadas” y “maricones ansiosos” los ha definido antes el anfitrión), van apareciendo. Enseguida descubrimos sus problemas, ilusiones, miserias enmascaradas bajo el cinismo y las ocurrencias. Durante la velada, regada por ginebra y drogas, ( “La marica cuando está sobria es peligrosa. Cuando bebe es letal”, dirá Harold), se presenta Alan Mcarthy, el heterosexual compañero de habitación en la Universidad de Michael… Todo es posible en lo que queda de noche.

La visión detrás de la película, además de muy gay, es muy yankee, (solo se me ocurre equipararla a la de las presentadoras del reality show Queer eye of the straight guy).

Esto no dificulta, al contrario, que el retrato psicológico de cada personaje está en su sitio, que sea individual y que no necesite ser insuflado por la vida de actores, que por lo demás, aparecen en estado de gracia, hasta llegar a lo antológico, (Cliff Gorman en la loca Emory). Todas salvo, tal vez Keneth Nelson, que da vida a Michael, (un papel escrito para Sal Mineo, demasiado ocupado con los chulos de la mafia). No es que Nelson, que actúa como Judy Garland en la era post Carnegie Hall, y parece un clon de Mineo, esté mal, (dos años sobre las tablas con los jerseys di vicuña de Michael habrán ayudado), pero no es Michael.

Como no podía ser de otro modo, todos los actores murieron de SIDA, todos menos paradójicamente Emory, la María Montez de la película, (con ella se identifica en uno de sus diálogos), que murió de leucemia y, también, el que interpretaba al heterosexual, respetable padre de familia y senador republicano a los ojos del mundo: Alan, el único superviviente del cast masculino.

En líneas generales, la película logra recrear la magia de las situaciones y diálogos teatrales. El mundo de estas “chicas”, tiernas, ruidosas, mentirosas y algo neuróticas resulta totalmente verosímil y lo que es más difícil... natural.

El ritmo insuflado por Crowley y Friendkin a su obra no decae ni un momento, pero puestos a quedarse con algo, son memorables los veinte primeros minutos de la fiesta, en la primera parte, antes de la llegada de Alan, en los que la cámara sigue con planos largos y fluídos a los personajes, en sus aspavientos de Drama Queen y sus bailes al ritmo de "(Love is Like a) Heat Wave", soltando bits memorables como ese de Emory: “¿Con quien hay que joder aquí para que te den una copa?”

Es verdad que con la llegada de Harold, en la apoteosis del número de la fiesta, (no voy a desvelarte, mi querido lector, en que consiste esta, si no lo has visto), nos encontramos con el primer momento realmente sublime del largometraje. Este se prolonga durante un rato considerable de tiempo, sobre todo gracias a Harold, que no cesa de repartir sus pequeñas píldoras de glorioso sarcasmo.

Durante el segundo acto, más introspectivo, se sucede el “juego de la verdad”. Los personajes se quitan la máscara y se muestran más sinceros entre ellos, como si fuesen figuras de un aguafuerte, que se va poco a poco disolviendo por la lluvia incesante, permaneciendo en pie, en una nueva oportunidad de ser felices, o quedado anulados, (autoanulados, casi siempre), e inmersos en “el principio de la angustia”.

THE BOYS IN THE BAND es una obra que solo tiene razón de ser en la época en la que se desarrolla, cuando todavía se respetaba algún tipo de valor, (hoy solo hace falta salir a la calle de cualquier gran ciudad y mirar a la cara de los pasantes), o no se había declarado el mal del SIDA que supuso, en palabras de Gore Vidal, “que los chicos quedasen aterrados por practicar sexo”. Cualquier intento de recuperar esta obra, “actualizándola” quedaría desnaturalizado después de 1985 y tal vez en ello radique su grandeza.

37 años después de su estreno, el visionado de esta película sigue procurando una diversión y emoción perdurables. De los duros o crípticos momentos que contiene, para el no iniciado, compensa largamente la imagen, casi al final, de las dos maricas la buena, Donald, que representa todos los valores positivos, y la mala, Michael, abrazadas.

NOTA: Esta es la única película que creo que el doblaje ha mejorado. Si no se entiende perfectamente el inglés recomiendo verla doblada.

FERNANDO ALONSO, ESE MERCENARIO

2007-10-06T18:02:00.000+02:00

Desde hace unos años, me molesta el ruído del televisor de turno, que hay en el lugar en el que me encuentro la mayoría de los domingos.

Decir que el culpable es el piloto de Fórmula Uno Fernando Alonso sería endosarle tantos méritos como marcas registradas ostenta en sus chaquetas de carrera.

Este hombre-anuncio de cajas de ahorros, bancos, relojes, marcas de cerveza, perfumes, crecepelos...etc. es uno de los iconos, (no, icono es un término demasiado gay, mejor, referencia) genuínos para el español medio, necesitado de sentarse dos horas ante el televisor atontado por un zumbido ininterrumpido de los autos que le hipnotizan o vuelven gritón...

A Alonso se le dedica más tiempo en el telediario que a todas las noticias culturales juntas: Triste verdad de España. A Él, a un pobretón ridículo, (un no neck monster, diría Tenessee Williams), que últimamente despliega áires de divo y polemista durante sus solicitadas ruedas de prensa...

Eso si, me molesta su ruído, decía, y me molesta ver su cabezón cuadrado y monoide, la poca salud de su cutis, (Aunque beba cerveza sin alcohol) y su pose absurda, cada vez que agarro cualquier periódico.

Seguro que también huele mal...

PREGUNTA RETÓRICA: ¿Es que la gente no se da cuenta de que no tiene cuello?

CAJA DE PANDORA

2007-10-02T00:56:00.000+02:00

A los veinte yo solía organizar un Ciclo de Cine en mi Facultad de Filosofía y Letras.

Lo heredé de unos amigos míos y de la utopía, que un año atrás, tal vez un poco más, les había llevado a ellos a recuperar la idea de un Cineclub “Clásico” universitario, en el que se pudiesen ver aquellas películas que podían interesar al universitario medio-culto y otras menos manoseadas, que ellos querían ver o amaban.

Todavía recuerdo a mi amigo, la influencia más importante en mi vida, cuando me pidió sin pedírmelo que no dejase morir el “ciclo”, él verano que él terminó su licenciatura en Historia, (Dos planes antiguos atrás) antes de marcharse a Italia por un año.

Por supuesto acepte y viví esos meses de curso lectivo de películas, libros, (él me los había pasado con hermosas dedicatorias en su interior) y algunas cartas intercambiadas.

Siempre he defendido ante personas de buenas intenciones que mi estado de entonces no fue solo fruto de la sublimación del recuerdo del pasado, sino de una emoción sentimental que todavía puedo sentir y que me ha apartado y protegido del resto del mundo, además de darme los atributos del escritor, (bueno o malo), y de contador de nuestras historias.

Recordar, recordar siempre… Eso es escribir para mí, un acto masoquista, sin duda.

Ironías, de esos cuatro o cinco amigos solo he mantenido el contacto con uno. El resto se fueron, casi todos en silencio a otras ciudades, otras vidas.

Y yo me quedé en la Ciudad del Viento…

Al menos por unos años. Tenía que terminar la carrera de Historia del Arte y vivir todavía. Pasear solo, recordándole a él o en compañía de amistades desinteresadas y bastante pudorosas; ignorar la poca fluidez de mi economía, (esta no ha cambiado mucho), cuando había que ir a comer a algún sitio o a ver algún espectáculo; salir (o marcharnos) de clase para ocupar un banquito soleado en algún parquecillo, hablar poco y devorar, a la hora del aperitivo, un paqueta de patatas chips. A veces incluso una cerveza.

Fue con Ella, a la que conocí al mismo tiempo que a Él, con la que solía hacer esto último.

Ella es hermosa y, con el tiempo, parece que se ha confirmado esa máxima que me repetía siempre, una cantinela: “Nosotros no cambiamos”.

Antes de marcharse a… Italia, Él la amó. Yo diría que se obsesionó con Ella desde el primer momento. No era difícil. Todos la amaban.

A veces pienso que es por Ella por lo que Él iba conmigo. Pero no. No es posible: Nos esperaban tantas cosas juntos…

Con el tiempo, Ella se unía, ocasionalmente, a nosotros y unilateralmente a él. Pero esa es otra historia…

Volvamos o viajemos meses más tarde, cuando él se fue a Italia, decía, me encargué del “ciclo”. Ella me acompañaba a Vicerrectorado Universitario como “secretaria y vocal” de nuestro “colectivo”, (así figuraba en los estatutos que nos hicieron rellenar), y a las reuniones de la Comisión de Cultura de nuestra Facultad, como compañera y miembro de la comisión también.

En el primer año, ya todos nos conocían de vernos juntos en clase, pegando los carteles anunciantes del “Ciclo” por todo el campus. En las sesiones yo presentaba las películas y ella repartía los panfletos. Siempre sonriente, siempre con una palabra de amabilidad o un comentario ingenioso.

El año anterior me habían visto con Él…

A menudo, durante la proyección salíamos sigilosos y recorríamos los pasillos de la Facultad como habíamos hecho con Él, y Ella lo sabía. Era uno de nuestros homenajes.

Con el tiempo, Mantuvimos charlas e incluso pasábamos veladas con profesores y alumnos que venían a nuestras sesiones. Conocimos algunos despachos y degustamos muchos bocadillos, (deliciosos), tras las películas o cuando nos venia en gana, los dos solos, en compañía o en multitud.

Los bedeles de la Facultad a menudo nos esperaban solo a nosotros para cerrar la Facultad, ya que nuestras sesiones eran de vespertinas a nocturnas.

Una de esas veces Ella y yo bromeábamos mientras recogíamos el Aula Magna, una de nuestras sedes, sin duda la favorita, cuando escuchamos como el gran portón de acceso se cerraba con llave. Llamamos y golpeamos la madera sin escuchar nada al otro lado.

No aceptábamos que nos pudiesen esperar 10 horas juntos, con una manzana y un botellín de agua medio vacío. No nos lo creímos nada, así que enseguida encendí el equipo de música y puse el amplificador a tope mientras ella golpeaba la puerta a son de un intermezzo de una opera de Mascagni, (que no era Cavalleria Rusticana).

Enseguida nos abrieron y salimos del edificio bajo la mirada del bedel de turno y algo enrojecidos.

Luego, con un bocadillo entre las manos y una copa de vino comentamos, como otras veces, lo surrealista que era nuestra ciudad, nuestra vida pues. Nos creíamos el centro del mundo.

Sin duda, en ciudades y vidas distintas, todavía lo pensamos, aguardando una nueva batalla…

MOMMIE DEAREST

2007-09-26T18:18:00.001+02:00

Y aquí os dejo el trailer original, por si a alguno le entran ganas de salir corriendo a comprar el DVD

CHRISTINA!

2007-09-26T18:16:00.001+02:00

En homenaje a Josito Montez, cuyo Blog no dejo de recomendaros cuelgo este divertido video. ¡Disfrutadlo si podeis!

BRING ME THE AXE!

2007-09-26T12:51:00.000+02:00

Anoche volví a ver MOMMIE DEAREST (“Queridísima mamá”, 1981) y de nuevo me volvió a atrapar, lo reconozco… aunque no haya nada de nuevo en esta vieja película, un ejemplo de anacronismo a todos los niveles narrativos, con su diseño de producción empeñado en recrear hasta el último detalle de cada época con un presupuesto limitado, su luminosa fotografía con preferencia por los colores primarios limpios, la maravillosa partitura, una dirección de actores existente…

En este sentido, es memorable toda la secuencia inicial, que recrea las mañana en las que Joan Crawford, una espectacular Faye Dunaway, se levantaba ya a las cuatro para estar presentable ante la cámara.

En ello radica tal vez parte de su encanto. La otra parte la trataremos luego…

El biopic sobre la relación entre la estrella Joan Crawford y su hija adoptiva Christina resultó ser una de las películas más denostadas por la crítica y un rotundo fracaso de taquilla. Incluso ganó cinco premios razzie, incluído el de peor película de la década y peor actriz. Con el tiempo se ha revelado, sin embargo, todo un hit videográfico.

La sensible mirada del director Frank Perry logró sacar partido, (¡Y como!) a una fuente literaria no muy noble que digamos: el super best seller y escandaloso libro de la mismísima Christina Crawford, en la que presentaba a su madre como una neurótica maltratadora, alcohólica y maniática obsesiva de la limpieza. Detrás de la película, de nuevo Tina, mediante la mano de su marido, productor ejecutivo de la misma.

Si bien son bien visibles las costuras de la historia, al tener que contar tantos episodios sórdidos a lo largo de 30 años en 128 minutos, nadie puede negar que el relato parezca sincero, aunque, seguramente, los elementos más fiables sean las escenografías art decò y los pelucazos y maquillajes de Faye Dunaway .

Decíamos antes, una parte del encanto de MOMMIE DEAREST radica en su anacronismo. La otra en los continuos delirios que contiene y que la hacen un hito inalcanzable del camp de cualquier época, (tendrían que pasar 15 años hasta que otra película, SHOWGIRLS de Paul Verhoeven se acercase a estos niveles).

Como no puede faltar, una bandada de mitómanos, amas de casa problemáticas, maricas cultas y travestis se acercaron y acercan con los ojos bien abiertos a esta película. Lo devoran con frecuencia o incluso participan de estos mundos imitando a la Crawford en pases especiales, como ya había ocurrido antes con THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW.

Entre ellos, (¿Nosotros?) son legendarias las secuencias en la que la estrella, tras ser despedida de la Metro, tala un naranjo de su jardín, con un hacha que ha pedido a Christina, o aquella famosísima en la que una muy borracha Joan, vestida y maquillada como un actor de Kabuki, descubre que uno de los preciosos vestidos de su hija cuelga de una percha de alambre, en vez de en una de madera, la empuña en dirección a la niña y grita: "no wire hangers ... ever!".

Personalmente, me fascinan detalles como que Christina niña no cambie físicamente a lo largo de cinco o siete años y hable ya como un adulto cuando tiene que defenderse de los ataques de su madre, o que una secuencia después de salir del convento, donde su madre lo había recluído tras tratar de estrangularla, viva en un precioso apartamento newyorkino, (con chimenea y todo!), con un sueldo de figurante, (¡poco después la veremos retorcerse de dolor en la alfombra por un quiste benigno en los ovarios!).

Otra perla del rosario es que conozca a su nuevo “papi” y que dos escenas más tarde nos enteremos de que este ha muerto por los disgustos ocasionados por la Pepsi-Cola…

Tras redescubrir la película hace un año, (el primer visionado fue una mañana de verano de mi adolescencia, ¡Una mañana!, en La2), tiré todas mis perchas de alambre, me aficioné a la ginebra helada y no he parado de limpiar mi piso. ¡Que lo sepáis!

Como dato curioso, la mismísima Christina Crawford reaparecería años después, tras terminar su carrera como actriz y perder todos los millones que había ganado tirando las estatuas de su madre de los pedestales, en shows drags con la drag queen Lypsinka, recreando las secuencias más truculantes de la película, (incluída la de la percha de alambre).

Para neófitos y personas poco advertidas con tendencias masoquistas recomiendo la edición especial en DVD "Hollywood Royalty", con audiocomentario de John Waters que no tiene desperdicio.

OPERASHARE

2007-09-23T13:50:00.000+02:00

Para los amantes de la ópera, (y de la música) dejo el link de este grupo de yahoo en el que, con solo ser miembre, podrás acceder a miles de archivos sonoros.

http://groups.yahoo.com/group/OperaShare

Si te gusta la ópera, nunca habrás escuchado algo así...

LA DIVINA

2007-09-16T10:52:00.000+02:00

MARIA CALLAS (1923-1977)

EL ESTANQUE DEL CAMPUS

2007-09-12T21:23:00.000+02:00

Aquí se pasan las horas, dulcemente, olvidando letalmenteme, para recordar siempre.

Y tal vez, desde una ventana amiga, podamos volver a contemplar lo que no se olvida y recordar lo que contuvo, una vez, la copa de la vida...

Recordar Siempre...

EL ARCO IRIS

2007-09-09T12:51:00.000+02:00

No fueron D. H. Lawrence ni Ken Russell quienes despertaron mi atracción por el efecto optico conocido como Arco Iris, esta ya existía desde mi niñez.

Recuerdo que vi por primera vez el Arco Iris a los tres años, en un momento de felicidad. Seguramente por ello lo asocio con un estado de ánimo positivo, estado poco habitual en mí, pero que siempre me suscitan esos colores en el cielo, tras la lluvia y con el Sol...

La fotografía fue tomada en el descanso de un rodaje en Rivas Vaciamadrid, en Abril. Esta fue la última vez que vi el Arco Iris.

2007-09-06T15:09:00.000+02:00

Retrato de Raymond Radiguet por
Amadeo Modigliani

LE RENDEZ-VOUS SOLITAIRE

Emprunte aux oiseaux leur auberge

Au feuillage d'ardoise tendre !

Loin des fatigues, ma cycliste,

Qui t'épanouis sur nos berges,

Future fleur comme Narcisse,

Tu sembles toi-même t'attendre !

Mais pour que nul gêneur ne vienne

Je nomme la Marne gardienne,

Ô peu chaste, de tes appâts.

La Marne fera les cent pas.

Si son eau douce va semblant

Plus douce et plus chaste que d'autres,

Ses désirs pourtant sont les nôtres :

Voir bouillir à l'heure du thé

Que l'on prend en pantalon blanc,

Au soleil, ta virginité !

De Les Joues en feu

EL CAMINO CORTO

2007-09-06T14:59:00.000+02:00

Queridos Todos,

¿Véis ese calle, no demasiado larga ni demasiado estrecha?

Ese era nuestro camino corto tras salir del Campus, a la plaza, nuestro camino a casa o al Parque, o a la plazita del puente colgante...

Alguna vez os mostraré el largo, que, con el tiempo, se hizo el más recorrido...

Vuestro Lord.

ESTO SE PARECE CADA VEZ A WIKIPEDIA PERO, OS LO PROMETO, NO LO HE COPIADO (DE ALLÍ)

2007-09-06T14:43:00.000+02:00

Raymond Radiguet nació en Saint-Maur (Sena), en 1903 y muere en París veinte años después. Hijo del dibujante Maurice Radiguet, cursó estudios en París, pronto abandonados por una vida errante en una barcaza por el Sena. Fue al final de la Gran Guerra cuando tuvo lugar la experiencia amorosa que posteriormente inspiraría su obra "EL DIABLO EN EL CUERPO", publicada en 1923 pero escrita a partir 1920. Por entonces el joven es uno de los bohemios más famosos y fascinantes de todo París. Conoce a Cocteau, que le protege, y el joven autor no tardará en escribir poesía. Los hoteles y cafés de la Madeleine son testigos de las extravagancias y disipaciones de los escritores. Los primeros versos de Radiguet ven la luz en 1920 bajo el título de "LES JOEUS EN FEU". Ya en el verano de 1921, Radiguet comienza la redacción definitiva de "EL DIABLO EN EL CUERPO". Cuando finalmente aparece, Radiguet es saludado como un genio precoz. Los derechos de autor son cuantiosos y el joven se da con mayor fuerza al exceso y la disipación. Acaso presagiando su inminente final, el joven escritor, ya saludado como un auténtico prodigio se pregunta en una entrevista: "lo que quisiera saber es a qué edad se tiene derecho a decir que uno ha vivido". Confesada esta duda, marcha de vacaciones a Piquey en un deseo evidente de regeneración. Es allí donde termina su segunda novela: "EL BAILE DEL CONDE ORGEL". La novela supone una vuelta al clasicismo, suscitando bastantes perplejidades cuando apareció y fue justamente puesta en relación con la novela moral de Madame de La Fayette: “LA PRINCESA DE CLEVES” (1678), Aunque los personajes son ahora más abiertos, con unas mayores ansias de diversión, de rodearse de cosas hermosas y nuevas, de vaciar con mayor avidez la copa de la vida, (sobre todo, estos puntos aclaran bastante la posición de Anne Orgel en el triángulo sentimental en el que Françoise de Sireuex y Mae son los otros lados).

De vuelta a París, mientras corrige las pruebas de imprenta del manuscrito recién entregado al editor, contrae el tifus. Un día, paseando con sus amigos, es presa de una crisis a la que no sobrevivirá. "Dentro de tres días seré fusilado por los soldados de Dios” y en efecto así fue.

Nuestro joven poeta compartía con otros artistas decadentistas y simbolistas, preferiblemente músicos y hombres de letras, la imposibilidad de separar el arte de la vida . Esta interrelación o mejor, no separación entre arte y vida es propia (aunque no querida) de los surrealistas. Seguramente Radiguet, como Cocteau, hubiese postulado por el surrealismo, (si hubiese vivido unos años más en vez de morir, se dice, accidentalmente), y es muy probable que como Cocteau terminase realizando cine, (paradójicamente, sus dos novelas, incluída esta que nos ocupa, han sido llevadas al cine con mayor o menor fortuna).

CIUDAD DEL VIENTO

2007-09-05T10:16:00.000+02:00

¿No me digáis que vivir en la Ciudad del Viento no es como estar dentro de una película de Antonioni?

La foto está cogida una tarde de primavera desde el centro o "islote" de la Plaza San Francisco. A lo lejos, la Ciudad Universitaria...

Jacques d'Adelswärd-Fersen

2007-09-04T13:40:00.000+02:00

AU PAVOT DE YURMAM

Quel coolie a semé d'un poing large en sa glèbe,

Sorti de Bac Nam Fu - quel coolie a semé,

Loin des regards, comme un voleur, l'air affamé,

Ton grain, tige lunaire et savoureux Érèbe?

Pendant ces nuits.de Chine où dorment tant de plèbes,

Sur les canaux fumeux aux sampans embrumés,

Tu fleuris puis mourûs; mais toujours parfumé,

Distillas l'élixir :. ta myrrhe et ton cubèbe...

Or, maintenant, l'exil a porté jusqu'à moi

Le noir venin laqué qui coulait dans tes larmes,

Pavot! Le feu le gonfle; et l'aiguille, en mes doigts,

Malaxant le beau rêve où mon chagrin désarme,

Fait jaillir sur l'écran les palais défendus, Les dieux en porcelaine et les dragons tordus!

Jacques D'Adelsward-Fersen, de HEI HSIANG (Le Parfum Noir) (A. Meissen Editeur, 1921)

ANOCHE SOÑÉ QUE VOLVÍA A VILLA LYSIS

2007-09-04T12:04:00.000+02:00

Esta es la vista de la Plaza San Francisco desde

la entrada principal al Campus.

Arriba, entrada a la librería de los Hermanos Vidal.

Busto de Roger Peyrefitte

Siempre que estoy en la ciudad trato de pasar por mis lugares tótem (una eficaz forma de masoquismo). Uno de estos es la Plaza San Francisco, amplia espacio urbano con planta de cuadrícula por la que se accede al Campus Universitario.

Muy cerca, tanto que se ve desde la plaza, está la Librería “de viejo” Hermanos Vidal, en la que solamente van cambiando los libros que se venden.

Al salir de la Universidad un amigo me llevaba a robar libros. Todavía me fascino pensando en la comprensión que tuvieron los empleados que, incluso, se retiraban algo para facilitarnos el delito. A mi memoria viene a menudo una frase que complacía tanto a mi amigo, que me hacía repetírsela de vez en cuando, esta es: los libros no deben de ser comprados ni vendidos porque son cosas puras.

Después de mi experiencia con la literatura he de decir que NO ES VERDAD. Pero esto es otra historia…

Desde que termine la Universidad o esta terminó conmigo vengo traicionando la máxima, dicha por el deseo, (si, el deseo) de suscitar su interés y entro a por algún libro, (que pago).

En una librería de viejo es raro encontrar los volúmenes tan bien clasificados y ordenados como lo están en esta. Tal vez por ello me relamo cuando mis ojos buscan y encuentran rápido el libro de ese escritor del que me gustó tanto su…. o ese otro del que me hablaba… Siempre hay algún libro esperándome y yo, que no soy bibliófilo ni mitómano, agradezco al fatto que haga bien su trabajo.

La semana pasada extraje de una apretada fila, en la sección de narrativa francesa, un pequeño volumen en rústica de un color coral maravilloso y todavía muy vivo. Su título: "LOS AMORES SINGULARES". No por nada, como un rito buscaba algo de ROGER PEYREFITTE, el autor de "EL EXILIADO DE CAPRI", (1959) novela biográfica del poeta Jaques de Fersen, que tanto ayudó a definir mi carácter de adolescente. La edición, contemporánea a la original francesa estaba impresa, como no, en Buenos Aires.

Luís Antonio de Villena presenta al francés Roger Peyrefitte (1907-2000) como un “elegante joven “con pruritos aristocráticos y diplomáticos unos años, hasta que le expulsaron de la carrera en Atenas por escándalo sexual”. Habría que verlo, (es conocida la tendencia de Villena a “barrer hacia casa”).

Los libros de Peyrefitte fueron best sellers en Francia e Italia, donde además ha sido una figura muy popular en algunos círculos culturales. No publicado (o mal) en España hasta los años 80 con su obra más conocida, y primera novela "LAS AMISTADES PARTICULARES", (1944) defendida por André Gide y que le valio el prestigioso Premio Renaudot, sigue siendo casi un desconocido…

Aunque demasiado larga, su primera novela entronca y sería una especia de estado anterior a "LAS TRIBULACIONES DEL ESTUDIANTE TÖRLESS", de Robert Musil, aunque las experiencias que en Musil sedimentan el pensamiento de sus jóvenes personajes (y lectores) en Peyrefitte se deslizan como un riachuelo a lo más profundo del Yo.

Años más tarde la novela de Peyrefitte sería llevada al cine con auténtico talento por Jaques Delannoy, bajo la atenta mirada del propio escritor.

La literatura de Peyrefitte se sitúa al límite de lo publicable desde los años 40 hasta finales del siglo XX, no solo por la osadía de contenidos (léase valentía) y tendencia a “las monstruosidades” del “vicio” sino por una visión satírica pero encantadora, que aflora en ternuras conmovedoras, tras las que están, sin duda, la destrucción y la muerte. No por nada, casi todos los personajes de los libros de Peyrefitte terminan anulados o en la piqueta tras enfrentarse a la sociedad standard o a ellos mismos.

Con un afán natural por la introspección o el descubrir sobre lo que conoce, por sus páginas van pasando, calegiales, poetas y músicos, ("EL EXILIADO DE CAPRI") embajadores, ("LAS EMBAJADAS", 1951) Papas, ("LAS LLAVES DE SAN PEDRO", 1953) héroes históricos ("ALEJANDRO MAGNO", 1977-1981) o personalidades contemporaneas en todas las esferas de la sociedad occidental ("LOS JUDÍOS", 1965 )

Además, libros de viaje, artículos, su propio epistolario…

Uno se pregunta sobre el sentido que tienen los libros de Peyrefitte en el mercado, después de 1970, no porque su calidad descienda o su estilo se haga manierista, al contrario, sino porque él, que había tendido siempre a abrir, se encuentra de enfrente a una pared sólida, una muralla “democrática” hecha de estupidez e ignorancia.

Educado en un Colegio de la compañía de Jesús, muere bajo la Iglesia de Roma en el albor de un nuevo siglo, como Oscar Wilde.

Por otra parte, es estremecedor descubrir como en el primer capítulo de "EL EXILIADO DE CAPRI", el joven Fersen defiende a Lord Alfred Douglas de un ataque por turistas Ingleses en el comedor de un hotelito del golfo de Nápoles…

En los últimos dos años se pueden encontrar por fin tres o cuatro nuevas ediciones de libros de Peyrefitte en los estantes de las librerías españolas, (y si no están, que será lo más probable, se encargan).

2007-09-03T13:18:00.000+02:00

A SUMMER STORM

Alas! how frail and weak a little boat

I have sailed in. I call it Happiness,

And I had thought there was not storm nor stress

Of wind so masterful but it would float

Blithely in their despite; but lo! one note

Of harsh discord, one word of bitterness,

And a fierce overwhelming wilderness

Of angry waters chokes my gasping throat.

I am near drowned in this unhappy sea,

I will not strive, let me lie still and sink,

I have no joy to live. Oh! unkind love!

Why have you wounded me so bitterly?

That am as easily wounded as a dove

Who has a silver throat and feet of pink.

Lord Alfred Douglas

2007-09-03T13:03:00.001+02:00

Queridos todos...

Esto necesita un impulso que pronto, muy pronto llegará.

A tí, mi lector, te esperan increíbles experiencias y tú cuerpo pasará por estados que nunca hubieses imaginado.

Arrancamos en 3-2-1...

TUNEL SUBTERRANEO

2007-09-02T11:37:00.000+02:00

Premisa

2007-09-01T12:35:00.001+02:00

La ciudad siempre irá contigo porque eres tú...